tag:blogger.com,1999:blog-84300230694716038722024-03-13T09:38:53.628-03:00AquiescenciasColaboradores: R. Duroc, M. Dávalos. Logística: M. Mustaine.Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.comBlogger120125tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-41932970116906094502014-09-03T11:48:00.000-03:002014-09-03T11:48:00.669-03:00Relatos salvajes, de Damián Szifrón
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-SKsI8-AAPiA/VAM1Zxq291I/AAAAAAAABVc/Ho_2oaBZ1ow/s1600/relatossalvajes1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-SKsI8-AAPiA/VAM1Zxq291I/AAAAAAAABVc/Ho_2oaBZ1ow/s1600/relatossalvajes1.jpg" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div align="RIGHT">
<span style="font-size: small;"><em>“<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-style: normal;">Nuestro
brillo se extingue,</span></span></em></span></div>
<span style="font-size: small;">
</span><div align="RIGHT">
<span style="font-size: small;"><em> <span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-style: normal;">somos
como</span></span></em><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-style: normal;">
caballos que mueren potros sin galopar”. </span></span></span>
</div>
<span style="font-size: small;">
</span><div align="RIGHT">
<span style="font-family: Times New Roman, serif; font-size: small;"><b>Attaque
77, “Otras canciones”</b>.<b> </b></span>
</div>
<br /><span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><i> </i></span></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><i>Relatos
salvajes</i>,
tercer largometraje de Damián Szifrón es, junto con <span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2012/09/el-estudiante-de-santiago-mitre.html" target="_blank"><i>El estudiante</i></a></u></span></span>,
ópera prima de Santiago Mitre (2012), de lo mejor que ha dado el
cine argentino en los últimos diez años. Más precisamente, luego
de <i>Nueve
reinas </i><span style="font-style: normal;">(2000)
y</span><i>
El aura </i><span style="font-style: normal;">(2005),</span>
ambas del difunto Fabián Bielinsky, sensible pérdida en el cine.
Algo une al arte de Bielinsky, Szifrón y Mitre: un aura de vértigo,
de amenaza constante retratada con esmero visual y ensamble del guion
con la posición de la cámara en el oficio de narrar.</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"></span></span><div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Seis
relatos salvajes bajo los <i>leitmotiv</i>
de la venganza, la paciencia y la furia. Un viaje en avión, la
decisión de una cocinera, un conflicto desesperado en la ruta, el
peso de la vil burocracia ante el individuo, las consecuencias de un
accidente de tránsito, un casamiento. </span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">En
el film de Szifrón, la eternamente furiosa Buenos Aires se ve tan
susceptible. La ciudad es un personaje relevante en la mayoría de
estos relatos. De día: en su proximidad al vuelo de un avión, en
las fachadas de los edificios y en las esquinas del laberinto de
cemento (especialmente en el relato “Bombita” que protagoniza un
brillante Ricardo Darín). De noche se aprecia su belleza cuando se
ilumina artificialmente: las luces en el rostro de un ingeniero que
mira la cajuela de su camioneta o cuando una novia desgraciada la
mira, absorta, desde la terraza desierta de un edificio. La aplicada
labor de Szifrón cuenta con los relevantes apoyos de la fotografía
de Javier Julia y el montaje de Pablo Barbieri.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Szifrón
expone su talento e ingenio en el manejo de climas, entre la comedia
y la tragedia para la construcción del correlato del absurdo <span lang="es-UY">—</span>algo
ya conocido en su serie de televisión <i>Los
simuladores </i><span style="font-style: normal;">(2002-2003)
y en su segunda película, </span><i>Tiempo
de valientes </i><span style="font-style: normal;">(2005)</span><span lang="es-UY">—.</span>
Sobre el eje de este método, acompañado de humor negro y cinismo,
atrapan el relato protagonizado por los actores Leonardo Sbaraglia y
Walter Donado, dos personajes tan diferentes y con un destino en
común en una ruta del norte argentino; la extraordinaria historia
del ingeniero “Bombita”; la improvisada negociación entre un
millonario desesperado, un abogado, un fiscal y un jardinero; la
desaforada crítica a una institución como el matrimonio,
especialmente a la ceremonia de la noche de bodas, con la osada
actuación de Erica Rivas. Asimismo, en esta película se aprecian
las influencias en Szifrón de directores clásicos como Alfred
Hitchcock (la aversión y expresión física de la camarera y varios
planos del episodio “Las ratas” recuerdan el suspenso de <i>Marnie</i>),
Steven Spielberg (<i>Reto
a la muerte</i>
en “El más fuerte”), Martin Scorsese y Joel Schumacher (<i>Taxi
Driver</i>
y <i>Un
día de furia</i>
en “Bombita”), entre otros.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Sin
innecesarios maniqueísmos ante el posible límite de una narración
fragmentada en seis relatos y sin realizar una película que pueda
ser fácilmente catalogada como “argentinísima” o “política y
propia de los tiempos que corren” <span lang="es-UY">—</span>el
episodio “Bombita” no es más que una extensión de la obra del
inolvidable Franz Kafka; ciertas mujeres siempre preferirán el filo
del cuchillo; los símbolos del vals y la torta en los casamientos
llevan bastante más de cien años<span lang="es-UY">—</span>,
Szifrón deja en evidencia que la desesperación es universal y
siempre reina. Para su fortuna, <i>Relatos
salvajes</i>
reivindica el arte cinematográfico como motor narrativo. En ciertos
lugares siempre será esencial la dedicada ejecución de un gran
truco.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif; font-size: small;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">Dirección y guion: Damián
Szifrón. Fotografía: Javier Julia. Montaje: Pablo Barbieri. Música:
Gustavo Santaolalla. Elenco: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia,
Darío Grandinetti, Rita Cortese, Erica Rivas, Oscar Martínez,
Julieta Zylberberg, Walter Donado. 122 minutos. 2014.</span></div>
<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-61495805063932208202014-08-31T11:43:00.001-03:002014-08-31T11:51:44.033-03:00Mr. Kaplan, de Álvaro Brechner<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-mAXi18u7C3o/VAMz-_QrBoI/AAAAAAAABVU/gFPRu7exj9g/s1600/MrKaplan_ExpressoFilms1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-mAXi18u7C3o/VAMz-_QrBoI/AAAAAAAABVU/gFPRu7exj9g/s1600/MrKaplan_ExpressoFilms1.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En 1997, el judío Jacobo Kaplan deambula en la tercera edad y
está desmotivado. De niño, en 1937 debió abandonar a su familia y
huir en soledad del nazismo invasor en Europa. Llegó en barco a
Uruguay. Según indica el guion de Brechner (basado en la novela de
Marcos Schwartz), a semejante proeza no le siguió algún otro
momento para destacar en una vida de clase media que devino monótona,
aunque se recuerda, a modo de introducción, que Winston Churchill y
Abraham fueron llamados para ejecutar sus grandes misiones entrados
en la tercera edad. La misión del señor Kaplan no es divina, aunque
es claramente quijotesca en su condición de picaresca (entre el
desengaño y el realismo) y por el rasgo delirante de su personaje
central destinado a la aventura.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En la costa uruguaya vive un huraño veterano alemán, amante del
mar al que apodan el "nazi" (Rolf Becker), quien según
Jacobo (Héctor Noguera) es un exrepresor nazi que huyó de Alemania
rumbo a América una vez terminada la Segunda Guerra Mundial, a la
manera del criminal Adolf Eichmann. El plan es atraparlo y llevarlo a
Israel para que sea juzgado. Pero para que la empresa sea quijotesca
del todo debe haber otra característica: la inclusión de un
escudero, un compañero de andanzas del caballero. Wilson Contreras
(Néstor Guzzini), expolicía desencantado y separado de su esposa y
sus hijos que pasa sus días jugando al flipper y tomando cerveza. Un
inmejorable Sancho Panza. Uno de los puntos altos de la película es
la calidad y expresividad de Guzzini como actor de comedia.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En el segundo film de Brechner —tras el celebrado <i>Mal día
para pescar </i>(2009), basado en el cuento "Jacob y el otro"
de Juan Carlos Onetti— vuelve a estar presente el talento al narrar
desde una supuesta historia mínima. Los mayores aciertos del guion
son el desarrollo de la aventura (el viaje del caballero delirante
que lidera el camino junto a su escudero realista y dubitativo,
aunque siempre fiel en la marcha), y la relación del viejo Jacobo
con su familia, o, más precisamente, con su nieta Lottie (Nuria Fló,
de gran actuación), el vínculo que más lo define y que supera por
sí mismo la mera anécdota del relato central.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En relación con lo visual, Brechner expone su talento detrás de
la cámara en varios momentos del film. Tres ejemplos: la escena en
la que Jacobo se duerme en la playa bajo el rayo del sol mientras
sueña acompañado por la música de los Beach Boys desde una radio
portátil; el manejo del <i>flashback</i> (visual y del guion) que
define la historia de Wilson; la recreación de los años 90 en
Uruguay (la vestimenta, el chivito a 70 pesos en el bar, la cerveza
Doble Uruguaya). La fotografía de Álvaro Gutiérrez se acopla en la
narración y es reveladora en los planos generales de Brechner de las
playas de la costa uruguaya como asimismo en los primeros planos y
planos medios bajo los tubos de luz del pool donde Wilson pasa las
noches junto al flipper y la cerveza.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Brechner vuelve a realizar una película íntima que se sirve de
la comedia y de la tragedia por igual. El eje dramático, la
composición de los personajes y sus aperturas trascienden un
conflicto cardinal, signado por la aventura y por la vejez. Como
narrador, Brechner marcha con ingenio, como alguna vez lo supo hacer
a su manera un tal Miguel de Cervantes.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">Dirección, guion y producción: Álvaro Brechner.
Fotografía: Álvaro Gutiérrez. Música original: Mikel Salas.
Elenco: Héctor Noguera, Néstor Guzzini, Rolf Becker, Nidia Telles,
Nuria Fló, Gustavo Saffores. 98 minutos. 2014.</span></div>
<br />
<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-31017243759274108142014-07-30T09:16:00.000-03:002014-07-30T09:16:40.286-03:00El planeta de los simios: confrontación, de Matt Reeves<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-83iQ_s8BHtU/U9jgCakG3tI/AAAAAAAABUI/DPCrMgjGceM/s1600/Dawn-of-the-Planet-of-the-Apes-Caesar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-83iQ_s8BHtU/U9jgCakG3tI/AAAAAAAABUI/DPCrMgjGceM/s1600/Dawn-of-the-Planet-of-the-Apes-Caesar.jpg" height="205" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Tres años después de </span><span style="font-size: small;"><i>El
planeta de los simios: (r)evolución </i></span><span style="font-size: small;">llega
una nueva entrega de la saga que comenzara en 1968 con </span><span style="font-size: small;"><i>El
planeta de los simios</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">,
dirigida por Franklin J. Schaffner y basada en la novela homónima de
Pierre Boulle de 1963. </span></span><span style="font-size: small;"><i>Confrontación</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
es su título en las salas de Uruguay, aunque el original es </span></span><span style="font-size: small;"><i>El
amanecer del planeta de los simios </i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">(Dawn
of the Planet of the Apes).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">Sobre
</span></span><span style="font-size: small;"><i>(r)evolución
</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">(</span></span><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2011/09/el-planeta-de-los-simios-r-evolucion-de.html" target="_blank"><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">leer crítica</span></span></u></span></span></a><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">),
entre otros conceptos sobre el rumbo histórico de la saga, tres años
atrás destaqué: </span></span><i><span style="font-size: small;">Rise
of the Planet of the Apes</span></i><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">,
según su nombre original y la determinación de la palabra "rise",
supone la presentación de César y su ascensión, rebelión y
también su evolución como líder. Asimismo, Rupert Wyatt logra su
propósito: desempolvar y refrescar la saga y tomar la base de la
historia para construir y bifurcar sus propios argumentos. Pero éste
no es su mayor triunfo, sino que en tiempos vertiginosos del cine
actual y comercial de Hollywood, repleto de efectos y tecnologías
con poco efecto trascendente, aplica con precisión los artificios y
pasa la prueba, además de contar con una historia bien narrada y que
va por más.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">En
un relato apocalíptico situado en el eje del tiempo entre el futuro,
presente y pasado, las últimas dos películas de la saga se
desarrollan en un tiempo actual, aunque tres años después del
estreno de </span></span><span style="font-size: small;"><i>(r)evolución</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
varias cosas han cambiado.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">El nuevo film cuenta con un
prólogo: un montaje narra lo que ha ocurrido con la raza humana
desde el final de </span><span style="font-size: small;"><i>(r)evolución
</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">hasta
lo que comenzará en</span></span><span style="font-size: small;"><i>
Confrontación</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">.
Diez años. Amenaza de extinción, consecuencia de los estragos
causados por la “gripe de los simios” creada accidentalmente por
científicos (llegaba en los créditos finales del film previo, con
la imagen del piloto y la sangre en su nariz).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">La
película </span></span><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Confrontación</span></i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><b>
</b></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">es
circular: comienza y culmina con un </span></span><span style="font-size: small;"><i>close-up</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
en los ojos del simio César, héroe y eje de estas dos últimas
películas. En </span></span><span style="font-size: small;"><i>(r)evolución</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
se desarrolló su rasgo de líder de los simios libertos junto con
una precisa narración de su infancia y adolescencia. En
</span></span><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Confrontación</span></i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
llega su consolidación como líder, y también como adulto y padre
de familia en el bosque Muir de San Francisco, ciudad que se mantiene
como escenario.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
</span></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-sPMPywxTHIw/U9jgcg4hmxI/AAAAAAAABUQ/3ESHDuJVMvY/s1600/kobasimios.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-sPMPywxTHIw/U9jgcg4hmxI/AAAAAAAABUQ/3ESHDuJVMvY/s1600/kobasimios.jpg" height="230" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">Con
ambos bandos definidos, y en evidente desigualdad de condiciones, un
grupo de especialistas se encuentra en el bosque con los primates,
amos del hábitat. Malcolm (Jason Clarke) llega con el propósito de
hacer funcionar una presa hidroeléctrica que devuelva energía a su
gente, sobrevivientes recluidos en un gueto al otro lado del Golden
Gate, a kilómetros del bosque. César vuelve a interactuar cara a
cara con humanos, tras su experiencia junto a Will y Charles en el
film anterior. Interpretado nuevamente por el actor Andy Serkis, la
labor es admirable. El encuentro provocará un conflicto macro que se
bifurca: de un lado simios y humanos, y del otro una revisión de la
evolución de los simios como especie con la determinante presencia
de Koba (Tobby Kebbell), aquel que fuera brutalmente torturado por
científicos en sus experimentos. Mientras César es el sensato líder
respetado por los suyos, la desviación en el comportamiento de Koba
es </span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">una
representación extrema de la rebelión de su especie ante otra que
ha causado la catástrofe total.</span></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
Luego de </span></span><span style="font-size: small;"><i>(r)evolución</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
y las cicatrices en su piel no se le puede culpar por su actitud
hacia los humanos, aunque sí por una postura de carácter abusivo
hacia los de su especie. Asimismo, e</span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">l
nombre Koba recuerda al nombre de guerra del ruso Iósif
Vissariónovich Dzhugashvili, más conocido por otro de sus
seudónimos: Stalin. Pero el</span></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
conflicto racional y de poder entre jerarquías en esta película
evoca más a la tragedia </span></span><span style="font-size: small;"><i>Julio
César</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">
de William Shakespeare que a la estalinización de la vieja Unión
Soviética o al culto a la personalidad de un jefe. La discusión
radica en la expansión de una amenaza hacia el orden público
propuesto por el líder escogido.</span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
Me parecen acertadas las palabras del director Reeves sobre
</span></span></span><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Confrontación</span></i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">:
“Es una película donde no hay villanos”. </span></span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">La
comunidad de los simios es el eje del film, en el que los humanos
quedan en un segundo plano, sea el grupo de Malcolm en el bosque o
los liderados por el exmilitar Dreyfus (Gary Oldman) en el gueto.
Este protagonismo es respeto por la narración, más allá que en
este elenco no se destaque ningún actor “humano” como lo hiciera
John Lithgow en </span></span><span style="font-size: small;"><i>(r)evolución</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">.
Una elección de los realizadores que por fortuna se mantiene en esta
historia, un contraste que se distingue si se tiene en cuenta lo que
le ocurrirá al astronauta George Taylor (en la película de 1968).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Matt Reeves tomó la cámara
luego del exitoso paso de Rupert Wyatt en la dirección. Sus
antecedentes más próximos a tener en cuenta son las películas
</span><span style="font-size: small;"><i>Cloverfield </i></span><span style="font-size: small;">(2008),
en la que sorprendió a Hollywood por su singular narración “cámara
en mano” sobre el paso de un monstruo en la ciudad, y luego en 2010
por su versión estadounidense del film sueco </span><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Déjame
entrar </span></i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(Tomas
Alfredson, 2008)</span></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Frente a un millonario
presupuesto volcado a espectaculares efectos digitales (CGI), lo que
prevalece en la película es la continuidad en el proyecto de los
guionistas de </span><span style="font-size: small;"><i><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;">(r)evolución</span></span></i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;">:</span></span></span></span><span style="font-size: small;">
Rick Jaffa y Amanda Silver, encargados de haber reflotado la saga con
una nueva historia de varios contrastes y aristas que sigue en
desarrollo (diferentes comunidades, intercambio de roles, desarrollo
de personajes, tratamiento del poder, ecosistema, ausencia de las
tecnologías). Dentro de lo visual, se destacan los matices de San
Francisco: el verde en el lluvioso bosque Muir, el desolado Golden
Gate, la herrumbre en el gueto de los humanos. Notables labores de
Michael Seresin en la fotografía y de James Chinlund en el diseño
de producción. La música de Michael Giacchino es gradual, respeta
los tiempos en la narración y se luce en la batalla final, entre
tantas explosiones y un dedicado trabajo de coreografía. </span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Para destacar: la
deslumbrante escena de presentación de los simios durante una
cacería en el bosque (mucho más que la gran batalla entre simios y
humanos con rifles, ésta menos impactante que la del Golden Gate del
film anterior); la escena en la que Koba embauca a dos guerrilleros
idiotas; Koba mirando la anárquica multitud parado sobre una
destruida bandera de Estados Unidos; los diálogos entre Koba y
César, acompañados por las expresiones que logran los actores; el
maestro Maurice aprendiendo a leer con el cómic </span><span style="font-size: small;"><i>Black
Hole</i></span><span style="font-size: small;"> (Charles Burns,
2005), una historia de varios paralelismos con esta; los simios
trepando de árbol en árbol entre los rayos del sol; los simios
debatiendo opiniones en la calma noche entre antorchas encendidas;
los simios marchando a caballo de día, y cabalgando y disparando
rifles por la noche.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">El círculo se cierra y su
fin crea un nuevo círculo. El </span><span style="font-size: small;"><i>close-up</i></span><span style="font-size: small;">
en los ojos de César despierta una pregunta: ¿por qué soy un
destino?</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">
</span></div>
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-weight: normal;">Dirección: Matt
Reeves. Guion: </span></span><span style="font-size: x-small;">Amanda Silver, Rick Jaffa y
Mark Bomback. </span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-weight: normal;">Fotografía:
Michael Seresin. Música. Michael Giacchino. Montaje: Stan Salfas,
William Hoy. Diseño de producción: James Chinlund. Elenco: Andy
Serkis, Jason Clarke, Gary Oldman, Tobby Kebbell, Keri Russell. 130
minutos. 2014.</span></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-22554003803625894912014-05-19T20:10:00.000-03:002014-05-20T14:14:42.626-03:00Godzilla, de Gareth Edwards<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-e-Wg8jT02Bc/U3uMKwfVoTI/AAAAAAAABJ4/PB-LjKAB9_o/s1600/godzilla_Warner.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-e-Wg8jT02Bc/U3uMKwfVoTI/AAAAAAAABJ4/PB-LjKAB9_o/s1600/godzilla_Warner.jpg" height="224" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">En 1954 se estrenó <i>Gojira</i><span style="font-style: normal;">,</span>
película de Ishiro Honda. En aquellos años de posguerra, el cine
japonés era <i>avant-garde
</i><span style="font-style: normal;">y
vivía su mejor momento, con notables directores como Yasujiro Ozu,
Kenji Mizoguchi y Akira Kurosawa. Aunque no todos hacían lo mismo,
el equilibrio entre lo clásico y lo moderno de aquel cine maravilló
a millones de espectadores e hizo historia. Dos años después del
estreno de aquel film, Hollywood lo rebautizó como </span><i>Godzilla:
rey de los monstruos</i><span style="font-style: normal;">
en una versión en la que agregó actores (Raymond Burr) y editó
escenas, contenidos y mensajes: desde lo latente de los históricos
ataques nucleares de Estados Unidos sobre Hiroshima y Nagasaki en
agosto de 1945 hasta el afán de vender al monstruo mitológico de
oriente a occidente.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;">En
su momento el proceso no resultó. Honda no era ni Kurosawa ni Ozu y
en Estados Unidos el film fue etiquetado como una película de
ciencia a ficción mala y de “clase B”. Además era evidente que
a este monstruo le faltaba el carisma y la debilidad que a otro
visitante le sobraba cuando supo copar Nueva York: </span><i>King
Kong</i><span style="font-style: normal;">
(Merian C. Cooper y </span>Ernest
B. Schoedsack<span style="font-style: normal;">,
1933). En cambio, en Japón la creación de los estudios Toho generó
nuevas películas (más de 25) y convirtió al monstruo en un mito al
que el mercado local le sacó provecho, desde </span><i>fanzines</i><span style="font-style: normal;">
hasta juguetes.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Godzilla
es una fuerza de la naturaleza que actúa en un determinado momento
histórico. Su “God” (dios en inglés) así lo sugiere. En
japonés su nombre original (Gojira) surge de la mezcla de dos
palabras: “gorira” y “kujira”, gorila y ballena
respectivamente. Un monstruo radioactivo producto de un Japón bajo
la paranoia y el efecto del devastador ataque nuclear sobre Hiroshima
y Nagasaki, y con la Guerra Fría en sus años más calientes. En
cambio, en su nueva adaptación sesenta años después están
latentes la catástrofe de la central nuclear de Fukushima tras el
tsunami que golpeó a Japón en marzo de 2011 como también la
radical amenaza del cambio climático.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;">El
director de este nuevo </span><i>blockbuster,</i><span style="font-style: normal;">
el británico Gareth Edwards, fue escogido</span><i>
</i><span style="font-style: normal;">por
su trabajo en</span><i>
Monsters </i><span style="font-style: normal;">(2010),
en el que demostró a los grandes estudios que con poco dinero se
puede asustar en una película de ciencia ficción. Para despertar al
durmiente Godzilla, gozó de un presupuesto astronómico en el que
obtiene resultados dispares. </span></span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;">Lo
mejor del film es su tratamiento del monstruo protector, con el
ejemplo de Honda a seguir y evitar el lastre del Godzilla de Ronald
Emmerich de 1998. Un histórico papelón cinematográfico del que lo
único para destacar está lejos del monstruo que solo quiere llegar
a dejar sus huevos en el Madison Square Garden de Nueva York: la
canción </span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="https://www.youtube.com/watch?v=EGzmda6umNs" target="_blank"><span style="font-style: normal;">“A320”
de Foo Fighters</span></a></u></span></span><span style="font-style: normal;">
de la banda de sonido.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;">Edwards
comprende que el monstruo debe ser la estrella, desde la notable
tecnología digital y respetándolo con la cámara, tomándose su
tiempo en la descripción según los planos (largos, cortos,
contrapicados) para exponer su interminable grandeza. Además éste
es el más grande: supera los cien metros de altura. Una labor que
con menor fortuna comprenden Max Borenstein y Dave Callahan desde el
guion, en busca de la obviedad de justificar con diálogos linderos
la existencia del personaje a través de cierto misterio </span><i>in
crescendo</i><span style="font-style: normal;">.
Esta es la construcción de un “Dios” que trae una advertencia:
mañana puede ser demasiado tarde. </span></span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;">Edwards
también conoce la némesis de Godzilla: los monstruos son dos
gigantes adefesios que buscan radioactividad y reproducirse, por lo
que no debe sorprender a nadie que cuando las partes interesadas se
encuentren lo padecerán los insignificantes humanos, sea en Hawaii,
Las Vegas o San Francisco. La fotografía de McGarvey (</span><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2012/05/los-vengadores-de-joss-whedon-2012.html" target="_blank"><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><i>Los Vengadores</i></u></span></span></a><span style="font-style: normal;">)
es de lo mejor del actual cine de acción, con un admirable retrato
de la ciudad californiana en tinieblas y en ruinas que poco tiene que
envidiarle a las imágenes que describe Dante en su viaje por el
Infierno de la </span><i>Divina
Comedia</i><span style="font-style: normal;">.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;">Lo
peor del film son las actuaciones; el elenco detrás del monstruo.
Apenas algunas expresiones dramáticas de Bryan Cranston (harto
conocidas en </span><i>Breaking
Bad</i><span style="font-style: normal;">
y en </span><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2012/10/argo-de-ben-affleck.html" target="_blank"><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><i>Argo</i></u></span></span></a><span style="font-style: normal;">)
como el ingeniero nuclear Joe Brody, quien conduce el hilo narrativo
durante los primeros cuarenta minutos previos a la aparición del
verdadero protagonista. Participaciones poco agraciadas y para el
olvido de la francesa Juliette Binoche (esposa y compañera de
trabajo de Brody), de Ken Watanabe (doctor e investigador) y David
Strathairn (sargento), estos últimos dos que resumen la referencia a
Hiroshima en una escena breve y poco feliz, reloj heredado mediante.
Pero quien peor fortuna tiene es el soldado Ford Brody, hijo de Joe.
Es interpretado por Aaron Taylor-Johnson (</span><i>Salvajes</i><span style="font-style: normal;">,</span><i>
Anna Karenina</i><span style="font-style: normal;">),
quien transmite muy poco, es sometido a dudosas escenas (como la del
rescate de un niño en un subte) y al que simplemente le queda grande
liderar el elenco en la segunda mitad de la película.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">A
sesenta años de su estreno en Japón, volvió a despertar Godzilla,
el que según la trama ha dormido por millones de años. Hollywood lo
hizo de nuevo. En la película de Edwards se aprecia sin mayores
esfuerzos la denuncia anti nuclear original sumada al actual problema
del cambio climático. ¿Es necesario volver a despertarlo para creer
que siempre estará allí para salvarnos de nuestros errores? ¿Su
propósito es levantarse a destruir para luego volver a dormir? En el
centro del conflicto hombre-naturaleza, la falla esencial y las
preguntas siempre persisten.</span></span></div>
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Dirección: Gareth Edwards. Guion: Max Borenstein y
Dave Callaham. Fotografía: Seamus McGarvey. Música: Alexandre
Desplat. Elenco: Aaron Taylor-Johnson , Ken Watanabe, Bryan Cranston,
David Strathairn, Elizabeth Olsen, Sally Hawkins, Juliette Binoche.
123 minutos. 2014.</span><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><a href="http://www.accu.org.uy/detalle_criticas.php?recordIDPE=1588" target="_blank">Nota publicada en www.ACCU.org.uy (19/5/2014) </a></span><br />
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-88215536272525697262014-03-14T11:51:00.001-03:002014-03-14T11:56:14.912-03:00La música de True Detective<img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/truedetective_HBO_zps842995c2.jpg" />
<br />
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-size: x-small;">Matthew McConaughey como Rust Cohle </span><i><br /></i></span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><i>La
banda sonora de la primera temporada de la serie de televisión de HBO, a cargo de T-Bone Burnett. The Handsome Family, The
Black Angels, Captain Beefheart, Bo Diddley, The Melvins, Grinderman,
Wu Tang Clan, entre otros.</i></span></span></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">No hay que ser un
especialista en la materia para reconocer el talento de T-Bone
Burnett en una banda sonora. Prolífico productor musical con una
dilatada carrera y varios premios, entre sus grandes logros
personales se destaca haber tocado la guitarra junto a Bob Dylan en
la gira Rolling Thunder Revue.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Yo le presté
atención por primera vez por su notable labor en la banda sonora de
</span><span style="font-size: small;"><i>¿Dónde
estás, hermano?</i></span><span style="font-size: small;">,
película de los hermanos Ethan y Joel Coen de 1999. También
colaboró en la música de </span><span style="font-size: small;"><i>El
gran Lebowski</i></span><span style="font-size: small;">,
film anterior de los cineastas con los que ha trabajado en varias
ocasiones.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Su relación con
Hollywood es larga, en películas como </span><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Johnny
y June: pasión y locura</span></i></span><span style="font-size: small;">
(2005) y en </span><span style="font-size: small;"><i>Loco
corazón</i></span><span style="font-size: small;">
(2009), entre otras. En los últimos meses se ha lucido en la serie
de televisión de HBO </span><span style="font-size: small;"><i>True
Detective</i></span><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;">,
sobre la que definió su tarea como si fuera</span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY"><span style="font-style: normal;">
“trabajar en la banda de sonido de una película de ocho horas”,
al ser entrevistado por el sitio web Mother Jones.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Hasta los
primeros días de enero pensé que no podía haber una sola banda de
sonido que en los últimos tres años le llegara, en su versatilidad,
extravagancia y riqueza, a los talones a la del videojuego </span><span style="color: navy; font-size: small;"><span lang="zxx"><u><i><a href="http://www.grandtheftwiki.com/Music_in_GTA_V" target="_blank">Grand
Theft Auto V</a> </i></u></span></span><span style="font-size: small;">,
lanzada en setiembre de 2013 </span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">—</span></span><span style="font-size: small;">lo
hizo Robbie Robertson en la banda sonora de </span><span style="font-size: small;"><i>El
lobo de Wall Street</i></span><span style="font-size: small;">,
película de Martin Scorsese</span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">—</span></span><span style="font-size: small;">.
Pero llegó la primera temporada de la nueva serie de HBO y la cosa
cambió. La canción de estilo </span><span style="font-size: small;"><i>folk
murder ballad</i></span><span style="font-size: small;">
de los créditos iniciales “Far From Any Road”, a cargo de The
Handsome Family, me llamó la atención como también a decenas de
miles de televidentes de todo el mundo. Climática, espectral y con
una intro precisa para lo que expondrá la serie: el paisaje de
Louisiana (niebla, ceniza, pantanos, pastizales, ruta) como bucólico
escenario del horror, donde dos detectives (Rust Cohle y Marty Hart,
interpretados por los actores Matthew McConaughey y Woody Harrelson
respectivamente) investigan durante diecisiete años una serie de
asesinatos de niños y mujeres vinculados con una secta satánica.
Con esta canción ya se podía avizorar la vigencia de la inquieta
visión de Burnett, además de la importancia del título para la
serie (“Lejos de cualquier camino”).</span></span></div>
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/ZRPpCqXYoos?feature=player_detailpage" width="540"></iframe> <br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Pero Burnett
apenas comenzaba. En el mismo capítulo piloto llegó otra elección:
“Young Dead Men”, primera canción del disco </span><span style="font-size: small;"><i>Passover</i></span><span style="font-size: small;">
(2006) de The Black Angels, banda relevante de rock psicodélico y
alternativo de la última década, oriunda de Texas </span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">—la
que con otra gran canción de mismo disco, “Black Grease”, está
presente en la banda de sonido de </span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY"><i>Grand
Theft Auto V</i></span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">—</span></span><span style="font-size: small;">.
“Entonces comiencen a hacer las putas preguntas correctas”, dice
el detective Rust Cohle a sus interrogadores en el final del
capítulo. Lapidarios McConaughey, Burnett y la guitarra de Christian
Bland, de los Ángeles Negros.</span></span></div>
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/sreZNeJOk4o?feature=player_detailpage" width="540"></iframe><br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">En el segundo
capítulo “Seeing Things” (Viendo cosas) queda en evidencia la importancia de la mixtura entre la psicodelia y el folk para Burnett. Volviendo al
folk, en un encuentro del detective Hart con la joven Lisa se escucha
“Train Song”, de la inglesa Vashti Bunyan, artista que amagara
con una prominente carrera en la década de los años setenta y que
pasara al olvido durante años, salvo para artistas que la consideran
“de culto” y para Burnett, quien la rescata y nuevamente desde el
título y el clima de la canción define con economía una relación
entre dos personajes.</span></span></div>
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/0AGD78mWcss?feature=player_embedded" width="540"></iframe><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Hablando de “ver
cosas” el capítulo cierra con el descubrimiento por parte de los
detectives de un mural en una iglesia en ruinas y nuevamente con rock
psicodélico. Y, como los Black Angels, también de Texas. Pero en
este caso una cruda psicodelia de 1966 y con mucha menos distorsión:
</span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://www.youtube.com/watch?v=k-78iw3XdGk&feature=player_embedded" target="_blank"><span style="font-size: small;">"The
Kingdom of Heaven", de 13th Floor Elevators</span></a></u></span></span><span style="font-size: small;">,
liderados por el gran Roky Erickson.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">Dentro
de la variedad de la banda sonora, Burnett se esmera asimismo en la
profundidad de personaje. Un ejemplo claro es cuando Cohle, solo y
encerrado en su habitación con alcohol y cigarrillos, pasa la noche
estudiando decenas de documentos y fotografías de mujeres
asesinadas. A modo de ironía en relación con la obsesión de Rust,
éste escucha la canción “Clear Spot” (1972), del paladín de la
psicodelia </span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">Don
van Vliet, célebremente conocido como</span></span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">
Captain Beefheart. “Tengo que correr muy lejos para encontrar un
lugar a salvo”, canta el Capitán. Asimismo, la letra de
esta canción es perfecta para la descripción visual de la Louisiana
de </span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY"><i>True
Detective</i></span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">.</span></span></span></div>
<br />
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/RqYfmfEqi20?feature=player_embedded" width="540"></iframe> </span></span></span><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Un momento
notable de la serie llegó como un quiebre, </span><span style="font-size: small;"><span style="background: transparent;">o
para algunos un clímax anticipado</span></span><span style="font-size: small;">.
Hasta el capítulo 4, mitad de la temporada, críticos y buena parte
del público comparaban el rumbo de la serie, y de la investigación,
con </span><span style="font-size: small;"><i>Zodiaco</i></span><span style="font-size: small;">
(David Fincher, 2007) en el hecho de que hasta el momento se había
hablado demasiado pero aún no se había disparado una sola bala y ni
siquiera los detectives habían desenfundado sus armas. Pero todo
terminó con “Who Goes There”, cuando el director Cary Joji
Fukunaga </span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">(</span></span><span style="font-size: small;">quien
dirigió los ochos capítulos de la temporada)</span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">
rompió el silencio con un raid que comenzó con la presencia del
detective Cohle en una sórdida fiesta de motociclistas </span></span><span style="font-size: x-small;"><span lang="es-UY">—</span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">en
la que de forma acorde suenan </span></span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://www.youtube.com/watch?v=oolwsWexSzQ&feature=player_embedded" target="_blank">“A
History of Bad Men”, de The Melvins</a></u></span></span><span lang="es-UY">
y </span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://www.youtube.com/watch?v=Ka9Bd2G7Syk" target="_blank">“Holy
Mountain”, de Sleep</a></u></span></span><span style="font-size: x-small;"><span lang="es-UY">—
</span></span><span lang="es-UY"> </span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">y
que culminó con un largo plano secuencia de seis minutos (sin
edición, sin cortes) con éste metido en un robo de droga y una
posterior balacera y persecución en un complejo de viviendas. </span></span></span></div>
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/s_HuFuKiq8U?feature=player_embedded" width="540"></iframe><br />
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY"></span></span></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">Por
si al espectador aún no le quedaba claro el efecto de caos, con las
sirenas de la policía y el vuelo de un helicóptero aún de fondo
con la caída de los créditos finales, Burnett despide el capítulo
con </span></span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://www.youtube.com/watch?v=-PkJ8LePdrc&feature=player_embedded%20%20" target="_blank"><span style="font-size: small;">"Honey
Bee (Let's Fly To Mars)"</span></a></u></span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">
de Grinderman, de su disco homónimo de 2007, con Nick Cave en la
voz.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Estas no son
todas las canciones que se pueden escuchar en la primera temporada de
la serie. Solo una selección. Entre otros, también son parte de la
elección de Burnett: Lucinda Williams (“Are You Alright?”),
Gregg Allman (“Floating Bridge”), Bo Diddley (“Bring It To
Jerome”), Ike & Tina Turner (“Too Many Tears In My Eyes”),
The Kinks (“Tired Of Waiting For You”), Black Rebel Motorcycle
Club (“Fault Line”) y Wu Tang Clan (“Clan In Tha Front”).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Llegó a su fin
la primera temporada de </span><span style="font-size: small;"><i>True
Detective</i></span><span style="font-size: small;">.
Un puzzle que en su celosa construcción para la televisión </span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">evoca
a la onírica </span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY"><i>Twin
Peaks </i></span></span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY"><span style="font-style: normal;"><span style="text-decoration: none;">(David
Lynch, 1990-1991). Un caso criminal </span></span></span></span><span style="font-size: small;">en
el que se destacó la importancia de llamarse Rust Cohle y la
importancia de llamarse Reginald Ledoux. Un micro universo con
mitología adaptada, donde los símbolos “Carcosa” y el “Rey
Amarillo” mantuvieron en vilo a millones de espectadores </span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">—</span></span><span style="font-size: small;">la
ciudad ficticia Carcosa lo hizo con el escritor Ambrose Bierce,
evidente influencia de la serie</span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">—</span></span><span style="font-size: small;">.
Un viaje al corazón de la oscuridad en busca de luz, con la
inevitable referencia a Joseph Conrad. Su creador, el escritor Nic
Pizzolatto, trabaja en lo que viene con la novedad y el reto de
contar otra historia, con nuevos actores y nuevo director detrás de
cámara. Pizzolatto se queda. Espero que lo mismo ocurra con Burnett.</span></span></div>
<br />
<br />
<br />
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/tboneburnett_zpsa632d089.jpg" /> </span></span><br />
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span>
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><a href="http://www.uypress.net/hnnoticiaj1.aspx?49496,109" target="_blank"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;">Nota publicada en agencia Uypress (11/3/2014)</span></span></a></span></span>Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-21487998121901028992014-02-26T09:27:00.004-02:002014-02-26T09:28:05.729-02:00Nebraska, de Alexander Payne<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/DernForte_Nebraska_ParamountPictures_zps7fbf1d5e.jpg" /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<span style="font-size: small;">Esta historia mínima de Alexander Payne es uno de
los retratos más auténticos sobre la clase trabajadora
estadounidense realizados por Hollywood en los últimos años. Es
difícil separarla de la crisis económica que en 2008 golpeó de
lleno al país, afectando principalmente al medio rural y a pequeñas
ciudades.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: small;">Nebraska</span></i><span style="font-size: small;"> es una comedia
que examina el curso de las relaciones humanas y las brechas
generacionales en un escenario que convive entre la permanencia y el
cambio. Algo que inquieta a Payne y que ha explorado en </span><i><span style="font-size: small;">Las
confesiones del Sr. Schmidt</span></i><span style="font-size: small;"> (2002) y en </span><i><span style="font-size: small;">Los
descendientes</span></i><span style="font-size: small;"> (2011). Una película
"fantasmal" por la asociación entre la notable fotografía
en blanco y negro de Phedon Papamichael, la música acústica de Mark
Orton y las imágenes en largas tomas a las que recurre Payne: la
ruta que no tiene fin con viejas columnas de alumbrado, campos de
trigo sin trabajadores, vacas a lo lejos. Una </span><i><span style="font-size: small;">road
movie</span></i><span style="font-size: small;"> que evoca y continúa un retrato en
común de cineastas estadounidenses como Preston Sturges, Terrence
Malick o los hermanos Coen. En estos sitios siempre hay gente acodada
en barras de bares en busca de una cerveza fría o que se reúne en
una mesa familiar para contar y escuchar historias, sin importar que
sean viejas o nuevas. En el caso de Payne, su película actúa como
un reto a las actuales tecnologías y a sus propuestas de
comunicación e interacción para las personas. Sobre este punto, la
belleza visual del film es de carácter militante.</span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Asimismo, la película me recuerda a dos expresiones
artísticas. Primero, al álbum </span><i><span style="font-size: small;">Nebraska</span></i><span style="font-size: small;">
de Bruce Springsteen (1982), cantautor y paisajista que expone como
pocos el conflicto entre la nostalgia y el futuro bajo una posible
eternidad circular que solo depende en su movimiento de la acción de
los humildes en el presente. Segundo, por su encare de la vejez
expuesta ante un bucólico escenario —la ruta, metáfora del
camino—, se asemeja a </span><i><span style="font-size: small;">Una historia sencilla
</span></i><span style="font-size: small;">(David Lynch, 1999).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">La película comienza con un plano general largo con
el viejo Woody Grant caminando a lo lejos a un lado de la autopista
hacia la cámara. La imagen es un rescate de la distancia, </span><i><span style="font-size: small;">leitmotiv</span></i><span style="font-size: small;">
del film. Camina solo desde Billings (Montana) hasta Lincoln
(Nebraska), lo que es una locura por la cantidad de millas. El hombre
cree haber ganado un millón de dólares en un concurso tras leer un
anuncio publicitario en una revista. Generoso ante propios y
extraños, con problemas de alcoholismo y desvaríos mentales, lo
interpreta el veterano Bruce Dern, quien a sus 77 años y con más de
80 películas a cuestas ejecuta su labor con una admirable economía
de gestos y diálogos. Su manifestación de la dispersión de su
personaje es tan estoica como creíble.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Pero Woody no está solo. Su hijo David (Will Forte)
está a su lado y, aunque sea consciente del evidente malentendido,
conoce a su padre, quien por su situación no está lejos de ingresar
en un geriátrico. Kate (June Squibb, actriz de </span><i><span style="font-size: small;">Las
confesiones del Sr. Schmidt</span></i><span style="font-size: small;">), esposa de
Woody y madre de David, no puede más con los delirios mentales de su
compañero de vida. Por su parte, Forte, actor surgido de la comedia
de Saturday Night Live, se expresa apto en su rol, sea en la perdida
expresión de su mirada como en los diálogos que mantiene con su
padre. Incluso es fundamental para extender de forma física y
externa la dignidad de Woody.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">El millón de dólares no es una mera anécdota en el
guion de Bob Nelson: es un símbolo de la crisis económica que
abarca las miserias que pueden afectar a trabajadores y a ignorantes
en una comunidad rodeada de incertidumbres, sea ésta la de la
ficticia Hawthorne o de tantas otras ciudades urbanas y rurales de
Estados Unidos y del resto del mundo.</span><br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: small;">
</span>
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Dirección: Alexander Payne.
Guion: Bob Nelson. Fotografía: Phedon Papamichael. Música: Mark
Orton. Elenco: Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Bob Odenkirk,
Stacy Keach. 115 minutos. 2013.</span><br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Nota publicada en <a href="http://www.accu.org.uy/detalle_criticas.php?recordIDPE=1412" target="_blank">www.ACCU.org.uy</a><span id="goog_1011654924"></span><a href="https://www.blogger.com/"></a><span id="goog_1011654925"></span> (25/2/2014) </span></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-66017782228013063142014-02-19T14:15:00.001-02:002014-02-19T14:15:33.133-02:00Dallas Buyers Club, de Jean-Marc Vallée<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-weight: normal; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/Dallas-Buyers-Club_MatthewMcConaughey_zps2d12896c.jpg" height="224" width="400" /></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"></span></span><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-weight: normal;">Jean-Marc
Vallée realiza un riguroso retrato de época: la crisis del sida en
1985, junto con la decadencia del sistema de salud de Estados Unidos
y las acciones promovidas por la industria farmacéutica para
provecho propio ante la caótica situación. El director canadiense
centra su relato en las víctimas </span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span>algo
que conoce, tras su tratamiento sobre la discriminación sexual en<span style="font-weight: normal;">
</span><i><span style="font-weight: normal;">C.R.A.Z.Y.
</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(2005)</span></span><span lang="es-UY"><i><span style="font-weight: normal;">—</span></i></span><span style="font-weight: normal;">.
“Desahuciados”, señala y califica el título de la película en
el Río de la Plata </span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(El
club de los desahuciados)</span></span><span style="font-weight: normal;">,
que respecto a la propuesta de la trama dista de su importancia ante
el original, y mucho más apto, </span><i><span style="font-weight: normal;">Dallas
Buyers Club</span></i><span style="font-weight: normal;">
(El club de los compradores de Dallas).</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Mitad
de la década de los años ochenta, cuatro años después de la
aparición oficial del VIH. Tiempos en los que la ignorancia sobre la
epidemia llevaba a muchas más preguntas que posibles respuestas, con
enfermos que morían en pocas semanas tras lapidarios diagnósticos.
El republicano Ronald Reagan, enemigo de primer orden de los
homosexuales y de las minorías, iniciaba su segundo período tras
ser reelecto presidente de Estados Unidos. Años en los que líderes
religiosos llegaron a definir al sida como “el azote de Dios ante
los maricas, engendros humanos”. Años de persecución. </span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><i><span style="font-weight: normal;">Dallas
Buyers Club</span></i><span style="font-weight: normal;">
se basa en una historia real, la del texano Ron Woodroof.
Electricista, amante del rodeo, homofóbico, drogadicto, promiscuo e
intolerante. Casas rodantes, tierra y sudor delimitan su entorno.
Enfermo, los médicos le comunican que contrajo el virus y que le
queda un mes de vida ante la falta de tratamiento previo. Primero no
cree y luego cae en estupor: “No puede ser. Es la enfermedad de los
maricas”, se pregunta en su ignorancia, como también lo hace su
círculo de amigos, todos idiotas y “basura blanca” </span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(</span></span><i><span style="font-weight: normal;">white
trash</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">)
que se burlan al conocer la noticia de la muerte del célebre actor
Rock Hudson (1925-1985) a causa de la enfermedad</span></span><span style="font-weight: normal;">.
Ante el diagnóstico, todo cambia. Comienza una historia de
resistencia personal, con una crítica hacia el sistema de salud
liderado por el gobierno de aquel entonces </span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><span style="font-weight: normal;">el
consumo del peligroso y legal medicamento AZT en pacientes</span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—,
</span></span><span style="font-weight: normal;">y
un testimonio compartido: Woodroof no tiene tiempo por perder,
contrabandea medicamentos y abre un negocio de venta con una
membresía especial para los enfermos.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-weight: normal;">Woodroof
es piel y huesos. Lo interpreta Matthew McConaughey en el papel de su
carrera. La transformación física es total </span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—adelgazó
más de veinte kilos—</span></span><span style="font-weight: normal;">,
aunque el esfuerzo no solo queda en lo exterior. El actor, también
texano, comprende a Woodroof y a su gente. En </span><i><span style="font-weight: normal;">Dallas
Buyers Club</span></i><span style="font-weight: normal;">
McConaughey encarna al </span><i><span style="font-weight: normal;">cowboy</span></i><span style="font-weight: normal;">
más completo que ha dado el cine en los últimos diez años. Y ni
siquiera lleva pistola. Sobre el actor, es necesario destacar su
versatilidad, especialmente en sus labores de los últimos años
</span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><i><span style="font-weight: normal;">Bernie</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,</span></span><span style="font-weight: normal;">
</span><i><span style="font-weight: normal;">Killer
Joe</span></i><span style="font-weight: normal;">
(2011); </span><i><span style="font-weight: normal;">Magic
Mike</span></i><span style="font-weight: normal;">,
</span><i><span style="font-weight: normal;">Mud</span></i><span style="font-weight: normal;">
(2012); la serie de televisión </span><i><span style="font-weight: normal;">True
Detective </span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(2014)</span></span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—.</span></span><span style="font-weight: normal;">
Abogado, asesino, stripper, fugitivo y detective. Aunque no hay que
olvidar su debut en la fresca </span><i><span style="font-weight: normal;">Rebeldes
y confundidos</span></i><span style="font-weight: normal;">
(1993), dirigida por su amigo y paisano de Texas, el director Richard
Linklater, con quien trabajó en varias ocasiones. Tampoco hay que
relegar su actuación como un novato abogado en </span><i><span style="font-weight: normal;">A
tiempo de matar</span></i><span style="font-weight: normal;">
(1996) </span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><span style="font-weight: normal;">especialmente
en su último parlamento ante un jurado racista</span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><span style="font-weight: normal;">.
Pero no todo siempre fue rutilante: no acertó en liderar elencos de
películas para el olvido como </span><i><span style="font-weight: normal;">Experta
en bodas</span></i><span style="font-weight: normal;">
(2001), </span><i><span style="font-weight: normal;">Sahara</span></i><span style="font-weight: normal;">
(2005) y </span><i><span style="font-weight: normal;">Amor
y tesoro</span></i><span style="font-weight: normal;">
(2008), en las que fue destrozado como actor por críticos que hoy lo
enaltecen como si fuera el nuevo James Stewart. Lo cierto es que en
los últimos años, McConaughey ha alcanzado una evolución en su
profesión gracias a su esfuerzo y a una mejoría en su elección de
proyectos. El talento siempre lo tuvo.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-weight: normal;">A
este club no lo sostiene únicamente la labor de McConaughey. Jared
Leto interpreta al travesti adicto Rayon, en una nueva y extrema
transformación física del actor, aunque en la ocasión con mayor
acierto que en </span><i><span style="font-weight: normal;">Capítulo
27 </span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(2007),
cuando sumó varios kilos para llevar a la pantalla a Mark Chapman,
asesino de John Lennon, pero con poco éxito en el resultado final.
Leto alcanza el rol más completo y conmovedor de su carrera, que con
madurez recuerda a su interpretación del joven adicto de </span></span><i><span style="font-weight: normal;">Réquiem
por un sueño </span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(2000).
Un acierto clave del guion de Craig Borten y Melissa Wallack</span></span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">es
el desarrollo de la relación entre dos personajes antagonistas como
Woodroof y Rayon.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><i><span style="font-weight: normal;">Dallas
Buyers Club</span></i><span style="font-weight: normal;">
es un triunfo compartido: McConaughey y Leto en sus performances
individuales y en el dueto que conforman, y Vallée que logra su
mejor película hasta la fecha. Una historia de supervivencia con una
crítica política y social ilustrativa. Es la consagración de
McConaughey en la piel de Ron Woodroof: un hombre ordinario con un
destino extraordinario; un don nadie que se convierte en un domador
que da pelea y que quedará para el recuerdo por su altruismo. Con
</span><i><span style="font-weight: normal;">cowboys</span></i><span style="font-weight: normal;">
así, no todo está perdido.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span></span></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<span style="font-size: x-small;">Dirección:
Jean-Marc Vallée. Guion: Craig Borten y Melissa Wallack. Fotografía:
Yves Bélanger. Elenco: Mathew McConaughey, Jared Leto, Jennifer
Garner, Denis O'Hare, Steve Zahn. 116 minutos. 2013.</span></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-38283878859344142802014-02-12T10:42:00.000-02:002014-02-12T10:42:41.146-02:00Ella, de Spike Jonze<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-uau6i5eS0vQ/UvtsACcjHlI/AAAAAAAABF0/RxqFx_kakZo/s1600/HerElla_WarnerBros.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-uau6i5eS0vQ/UvtsACcjHlI/AAAAAAAABF0/RxqFx_kakZo/s1600/HerElla_WarnerBros.jpg" height="223" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
Para su cuarto largometraje, el director Spike Jonze escribió un guion original sobre un tópico universal y recurrente: el vínculo entre el hombre y la máquina. Una historia de amor y aprendizaje entre el escritor Theodore (Joaquin Phoenix) y Samantha, un sistema operativo de inteligencia artificial (con la voz de Scarlett Johansson). </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
A medida que el film avanza, es evidente que lo sostiene Phoenix con sus notables dotes de interpretación más allá de la colorida vestimenta, los lentes y el prolijo bigote de su personaje. Su talento es innegable. En pocos segundos, su mirada puede expresar más sentimiento que largos parlamentos y gestos de decenas de actores de la actualidad. Asimismo, la voz de Johansson es otro acierto de Jonze —su primera opción fue la de la actriz Samantha Morton—. La relación entre las partes es creíble, aunque por momentos la interacción resulta forzada y decae ante el metraje (126 minutos). Como posible solución, el director incluye en la trama a las actrices Rooney Mara y Amy Adams, ambas correctas en sus papeles. La primera encarna a Catherine, expareja de Theodore; la segunda a su amiga, Amy.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Jonze, en los años noventa <a href="http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=Px_3MerNhgQ" target="_blank">maestro del videoclip musical</a> y talentoso cineasta desde 1999 con su ópera prima <i>¿Quieres ser John Malkovich?</i>, proyecta un futuro al alcance de la mano y a la ciudad de Los Ángeles como escenario. A nadie que haya estado en los últimos tiempos en esta metrópoli o en Nueva York le debe sorprender estar a la espera del subte o en viaje y ver en un vagón la abrumadora cantidad de personas inmiscuidas en sus teléfonos inteligentes o tabletas. Este recurso del director es bienvenido, aunque también repetitivo. Por otra parte, Jonze examina lo difuso que puede ser cierto sentimiento humano entre la ausencia y la presencia, sea un orgasmo compartido con un sistema operativo o tocar el ukelele para la aprobación de su voz. El intercambio de roles entre el hombre y la tecnología es primordial para la trama. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Ella es una película y un estudio sobre el movimiento, sea desde la paleta de colores cálidos de los interiores y su contraste con el adormilado ritmo de la ciudad hasta la brecha entre la inteligencia humana y la artificial —que evoca a la computadora HAL de <i>2001: odisea del espacio</i> (Stanley Kubrick, 1968)—. Sobre esta acción se expresa su inquietud esencial: el destino del individuo ante la posibilidad latente de la alienación total. Esta es la denuncia de Jonze, un director optimista y romántico (<a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2009/08/el-ladron-de-orquideas-de-spike-jonze.html" target="_blank"><i>El ladrón de orquídeas</i></a>, 2002; <i>Donde están los monstruos</i>, 2009; <a href="http://vimeo.com/22097813" target="_blank"><i>Estoy aquí</i></a>, 2010). Y aunque el conflicto —junto con sus bifurcaciones— esté situado de forma adrede en un futuro, ocurre hoy. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Título original: Her.
Dirección y guion: Spike Jonze. Fotografía: Hoyte Van Hoytema.
Música: Arcade Fire y Owen Pallett. Elenco: Joaquin Phoenix, Amy
Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde, Scarlett Johansson. 126 minutos.
2013.</span><br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-6906191718159602892014-02-04T14:58:00.001-02:002014-02-04T14:58:05.620-02:0012 años de esclavitud, de Steve McQueen<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;">
<img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/12yearsSlave_FoxSearchlightPictures_zps8af8ed88.jpg" height="225" width="400" /></div>
<br />
<div align="RIGHT">
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<br /></div>
<div align="RIGHT">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;"> </span></i></span></span></i></span></span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;"> </span></i></span></span></i></span><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><i><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">"These concentration camps went on for 200 years, right here in America".</span></i></span></i></span></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><b><span style="color: black;"><span style="font-style: normal;"><b>El
mayordomo</b></span></span></b><b><span style="color: black;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span></span></b><span style="color: black;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(Lee
Daniels, 2013).</span></span></span></span></span></div>
<span style="font-family: inherit;">
</span>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<br />
<span style="font-family: inherit;">
</span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">En
1853 se publicó </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Twelve
Years a Slave</span></i></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
la autobiografía de Solomon Northup. Histórica denuncia sobre las
atrocidades provocadas por la esclavitud en Estados Unidos, se
convirtió en un </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">bestseller</span></i></span></span></i><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">apenas
un año después de la publicación de </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">La
cabaña del tío Tom</span></i></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
clásica novela de Harriet Beecher Stowe.</span></span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Pero
hay diferencias entre ambos textos: mientras Stowe destacó la
importancia de la maternidad y el carácter redentor del
cristianismo, en su relato Northup expuso con menos figuras retóricas
la humillación sufrida por los negros en el Sur. Para ello, su
testimonio se aleja del sermón en el que en ocasiones incurre Stowe,
además de contar con una terrible historia personal a modo de
confesión.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;">En
1841, Solomon, negro libre y músico refinado oriundo de Nueva York,
fue secuestrado en Washington y vendido como esclavo. Su periplo de
doce años lo llevó a las plantaciones de Louisiana, pasando por
diferentes amos y por una desgarradora tortura física y mental.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">Para
el director británico Steve McQueen (</span></span></span></span><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Hunger</span></i></span></span><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
2008; </span></span></span></span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2012/05/shame-de-steve-mcqueen-2011.html" target="_blank"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Shame</span></i></span></a></u></span></span><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
2011) la esclavitud es "el demonio de la perversidad", un
atropello autodestructivo. A lo largo del metraje de la película su
retrato es locuaz, alejado de épicas de Hollywood sobre el tema como
</span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Lo
que el viento se llevó</span></i></span></span></i><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(Victor
Fleming, 1939), dueña de un parcial y falaz enfoque acerca de la
esclavitud, o la reciente pro Barack Obama </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">El
mayordomo</span></i></span></span></i><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(Lee
Daniels, 2013). Asimismo, </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">12
años... </span></i></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">continúa
con una revisión histórica de Hollywood sobre un trauma nacional
que en 2012 incluyó a </span></span></span></span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2013/02/lincoln-de-steven-spielberg.html" target="_blank"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Lincoln</span></i></span></a></u></span></span><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
(Steven Spielberg) y </span></span></span></span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2013/01/django-sin-cadenas-de-quentin-tarantino.html" target="_blank"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Django sin cadenas</span></i></span></a></u></span></span><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
(Quentin Tarantino). McQueen es el único director extranjero de
todos estos films de mención.</span></span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">McQueen
se muestra apto para afrontar la odisea: reconoce la inevitable
relación de Solomon con el Ulises de Homero y en su film tiene en
cuenta los recursos narrativos que utilizó su compatriota Alan
Parker en la inolvidable </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Expreso
de medianoche</span></i></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
(1978), historia con la que mantiene puntos en común y también
basada en un hecho real. Asimismo, es preciso en la puesta en escena
con el apoyo de la fotografía de Sean Bobbitt y el vestuario de
Patricia Norris.</span></span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">Nuevamente,
el director trasciende el elemento de catarsis del protagonista ante
el espectador al narrar sobre la "carne viva", es decir
mediante la expresión del cuerpo humano, como lo hizo en la anti
Thatcherista </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Hunger</span></i></span></span></i><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">y
en la existencialista </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Shame</span></i></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
ambas sobre el martirio, sea la huelga de hambre del preso político
Bobby Sands o la adicción al sexo de un neoyorquino. Para esto
requiere de actores que puedan expresar semejante sentimiento: en </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">12
años...</span></i></span></span></i><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">el
encargado de interpretar a Solomon es el actor Chiwetel Ejiofor, que
lidera un selecto elenco que incluye a Michael Fassbender (actor
principal en </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Hunger</span></i></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
y </span></span></span></span><i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">Shame</span></i></span></span></i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">),
Paul Giamatti y Benedict Cumberbach como esclavistas, Brad Pitt en un
rol menor aunque fundamental, y a Lupita Nyong'o como Patsey, esclava
con un testimonio quizá más brutal que el de Solomon. McQueen junto
con el guionista John Ridley demuestran oficio al narrar la historia
de la joven, que trasciende más allá de la del personaje esencial.
La espalda de Patsey es el lienzo de una época del terror, la
vergüenza de un país.</span></span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Sobre
el martirio, una escena del film resume el efecto con gran mérito.
McQueen deja la cámara fija en el jardín de una casa esclavista, en
un plano general durante varios segundos, con Solomon de espaldas al
espectador, colgado del cuello con una soga a un árbol. Lucha por
sostener su cuerpo con la punta de sus pies sobre el lodo. Mientras
padece la tortura, otros esclavos siguen con sus tareas de rigor sin
siquiera mirarlo. Esa escena es el corazón de la película.</span></span></span><br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;">
</span></span></span>
<span style="font-size: x-small;"> </span><br />
<span style="font-size: x-small;">Título original: </span><span style="font-size: x-small;"><i>12 Years a
Slave</i></span><span style="font-size: x-small;">. Dirección: Steve McQueen. Guion: John
Ridley (basado en </span><span style="font-size: x-small;"><i>Twelve Years a Slave,
</i></span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-style: normal;">autobiografía
de Solomon Northup). Fotografía: Sean Bobbitt. Vestuario: Patricia
Norris. Música: Hans Zimmer. Elenco: Chiwetel Ejiofor, Michael
Fassbender, Lupita Nyong'o, Benedict Cumberbatch, Paul Dano, Brad
Pitt, Paul Giamatti, Sarah Paulson. 134 minutos. 2013. </span></span>
</div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-81972089839047906712014-01-27T14:27:00.001-02:002014-01-27T14:28:02.553-02:00Escándalo americano, de David O. Russell<img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/american-hustle_ColumbiaPictures_zps4be42197.jpg" />
<br />
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">"Algo
de esto realmente ocurrió", es lo primero que David O. Russell
cuenta al espectador en su comedia basada en el caso ABSCAM:
operación liderada por el FBI hacia finales de la década de los
años setenta dedicada a atrapar políticos (congresistas, un
alcalde, entre otros) que aceptaron sobornos en inversiones
extranjeras en los casinos de Atlantic City. En el film la
investigación incluye escuchas telefónicas, cámaras ocultas,
jeques truchos, la mafia de Miami, estafadores de arte y hasta un ama
de casa desesperada.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Russell prefiere abarcar la
extraordinaria historia en donde se siente más cómodo desde
<i>Secretos íntimos
(</i>1994). Historias
mínimas, como asimismo lo hizo con mayor éxito en <i><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2011/02/fighter-de-david-o-russell-2010.html" target="_blank"><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u>The Fighter</u></span></span></a></i>
(2010) y en <i><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2013/02/el-lado-luminoso-de-la-vida-de-david-o.html" target="_blank">El lado luminoso de la vida</a></u></span></span></i>
(2012). Para ello suele escribir y reescribir guiones en la búsqueda
de pintorescos personajes para la composición de su elenco. Las
partes por el todo.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Irving Rosenfeld es un
buscavidas, un vendedor devenido en estafador; lo interpreta
Christian Bale bastante pasado de kilos y con un patético peluquín
(otra gran transformación física del actor en un film del director
tras <i>The Fighter</i>).
En la primera escena de la película Russell se toma su tiempo en la
rutinaria preparación del disfraz del personaje, que trabaja con
cuidado frente al espejo pegando pelo donde le falta en su cabeza y
luego terminar la tarea con spray. Estamos a finales de los años
setenta en Nueva York, en la era "disco" en la que se solía
reparar demasiado en las apariencias, las joyas y los lentes de sol
estilo aviador.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">En una fiesta Rosenfeld
conocerá a Sydney Prosser (Amy Adams, quien asimismo fue parte del
elenco de <i>The
Fighter</i>), una
stripper en busca de una nueva oportunidad. Ambos comparten el gusto
por la música de Duke Ellington, especialmente por su "Jeep's
Blues". Un gusto en común que da comienzo a una historia
mínima, de amor y de estafa. Sydney se convierte en amante y socia
de Rosenfeld en su negocio basado en la venta de cuadros
falsificados. Fingirá en su acento y en su origen británico como
Lady Edith Greensly para su nuevo trabajo. Pero no todo es artificio
en Sydney, gracias a la mirada de Adams con sus persuasivos ojos
azules.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Rosalyn es la esposa de
Rosenfeld: ama de casa histérica, encerrada en su casa, egoísta e
insegura, a cargo de un niño y siempre al borde de un ataque de
nervios. Interpretada con luces por Jennifer Lawrence, que vuelve a
unirse a Russell tras <i>El
lado luminoso de la vida</i>
y a sus 23 años vuelve a dejar en evidencia su calidad y
versatilidad como actriz.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Si Rosenfeld requería de
minutos ante el espejo para trabajar en su apariencia, qué decir del
agente del FBI, Richie DiMaso, interpretado por Bradley Cooper (quien
compartió tareas con Russell y Lawrence en <i>El
lado luminoso de la vida</i>).
Usa ruleros en su casa, sueña con ser un galán italiano pronto para
dar el gran salto en su profesión mientras vive junto con su madre y
su prometida. Otro soñador.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Con la presentación de
DiMaso los caminos convergen y Rosenfeld y Sydney son atrapados en
sus fraudes. El agente les ofrece una salida: ayudarlo en la
operación ABSCAM. Lo que por otra parte es para los buscavidas la
oportunidad de ser protagonistas de un gran golpe.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Todos estos personajes
comparten las características del engaño y el escape, sea en sus
comportamientos y sus relaciones o en menor medida en sus
apariencias: peinados, vestimenta, maquillaje. Si no reparar en el
excéntrico peinado del alcalde de Nueva Jersey, Carmine Polito
(Jeremy Renner), objetivo primario de la operación. Excesos de años
posteriores a farsas políticas como Vietnam o Watergate en Estados
Unidos; una época recargada que Russell decide exponer sin jamás
dejar de lado cierto estado de ánimo festivo y hasta inocente (por
ejemplo su abordaje en modo de parodia a la mafia de los casinos, con
un cameo de Robert De Niro como el mafioso Tellegio).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Dentro de lo mejor de
<i>Escándalo americano</i>
está su recreación de época, total desde la presentación inicial
del logo de Columbia Pictures. Una labor liderada por la dirección
de Russell y la fotografía de Linus Sandgren, apoyados en el
vestuario de Michael Wilkinson y en la banda sonora a cargo de Susan
Jacobs (que cuenta, entre otros, con America, "A Horse With No
Name"; Elton John, "Goodbye Yellow Brick Road"; Donna
Summer, "I Feel Love"; Wings, "Live And Let Die").
Desde la dirección Russell recurre a directores neoyorquinos
influyentes en los años setenta: Martin Scorsese (desde el recurso
de la voz en off y los "barridos" hasta el uso del ralenti)
y John Cassavettes (en los comportamientos y conflictos de los
actores dentro de la trama y ante el guion, y en cierta
característica compartida como "director de actores").
Asimismo, la nueva película de Russell puede recordar en su
dirección el trabajo realizado por Ben Affleck en <i><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2012/10/argo-de-ben-affleck.html" target="_blank"><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u>Argo</u></span></span></a></i>
(2012), desde su esmerada recreación a fines de la década de los
años setenta hasta la gran farsa que como base presentan ambas
tramas (el guion original de Singer para la película de Russell se
tituló "American Bullshit").</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">En esta sátira, Russell
vuelve a dejar en claro que de momento no le interesa en demasía
dejar a sus personajes tullidos y abandonados o rendirlos a burdas
redenciones, sino que los presenta sin esconder sus imperfecciones y
con un aura adrede de superficialidad para darles una evolución
<i>positiva</i>
conocida en las mejores comedias de Hollywood desde la tercera década
del siglo XX. El acierto radica en tener en manos una buena historia
para contar y de allí en adelante entretener sin trampas ni
subestimar al espectador. Russell suele hacerlo simple.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">Título
original: American Hustle. Dirección: David O. Russell. Guion: Eric
Warren Singer y David O. Russell. Fotografía: Linus Sandgren.
Vestuario: Michael Wilkinson. Música: Danny Elfman. Elenco:
Christian Bale, Amy Adams, Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Jeremy
Renner, Louis C.K., Michael Peña, Robert De Niro, Alessandro Nivola.
138 minutos. 2013.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<span style="font-size: xx-small;"><a href="http://www.accu.org.uy/detalle_criticas.php?recordIDPE=1324" target="_blank">Publicada en ACCU.org.uy (21/1/2014)</a></span></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-37240562087523726232014-01-15T20:44:00.000-02:002014-01-15T21:37:15.684-02:00 El lobo de Wall Street, de Martin Scorsese <div style="text-align: justify;">
<span id="goog_1261525039"></span><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/dicaprioWallStreet_Paramount_zps223aaf6a.jpg" height="292" width="400" /><span id="goog_1261525040"></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><i>El lobo de Wall Street</i>
cuenta la historia real de Jordan Belfort, agente de bolsa que durante
las décadas de los años 80 y 90 hizo carrera y acumuló millones de
dólares con su firma Stratton Oakmont en Wall Street, especialmente
vendiendo bonos basura y estafando a clientes. Este "lobo" del
capitalismo es un oportunista feroz en su expansión e indiferente ante
todo lo que altere su larga fiesta.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Es una película con puntos altos y
bajos. Así lo indica su ritmo narrativo, clásico aunque en su apariencia
derroche cierto vértigo y descontrol. Dista de ser una obra maestra de
Scorsese, ya que sin similares resultados repite recursos de sus
clásicas <i>Toro salvaje</i> (1980), <i>Buenos muchachos</i> (1990) y <i>Casino</i>
(1995). Aquí Scorsese se alimenta de sí mismo, de su pasado. En
relación con la primera película de mención, vuelve a estar presente la
furiosa y cíclica composición del personaje en un recorrido circular
(Belfort-Jake LaMotta). En relación con la segunda, un sello personal y
técnico del director: la voz en off del personaje en primera persona
junto con travellings y cortes abruptos en la edición para ilustrar la
historia. Tanto <i>El lobo...</i> como <i>Buenos muchachos</i>
destacan la alineación, presencia y consumo indiscriminado de dólares y
de cocaína en relación con el ascenso en el poder. Según la constancia
en la narración a cargo de Scorsese detrás de cámara y de Terence Winter
(escritor y productor de las series de televisión <i>Los Soprano </i>y <i>Boardwalk Empire</i>)
en el guion basado en las memorias de Jordan Belfort, este estado de
adrenalina resulta familiar, ya que mismo director lo vivió en carne
propia durante los años setenta, y por otra parte fue fundamental en el
ritmo laboral y en el festín hedonista de Belfort y otros tantos agentes
de bolsa de Wall Street durante años de especulación financiera. Pero
mientras en <i>Buenos Muchachos</i> Walter Hill (interpretado por Ray
Liotta) tenía un guión (Nicholas Pileggi, Martin Scorsese) y un
personaje eternamente más interesantes que Jordan Belfort, a ambos los
une poco más que su condición de discretos oportunistas y delatores
definidos para evitar duras penas del sistema. Dentro de los rasgos
visuales, en el caso de <i>El lobo...</i> Scorsese abusa de
coreografías y travellings en la oficina repleta de papeles, teléfonos,
agentes de bolsa y vendedores que se comportan como primates para rodear
de caos a Belfort y resaltarlo como eje; y asimismo el director fracasa
en la revisión de culpa en el ascenso de su personaje al buscar emoción
o empatía con un pobre discurso motivacional (caso de la escena de la
evolución económica de una empleada), aunque sí logra un efecto
interesante y catártico para el ciclo del personaje en la escena de la
venta de una lapicera, con un cameo del Belfort real, ante un público
dócil (guiño explícito a <i>Toro salvaje</i>).</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Aún en menor acierto, en esta revisión autorreferencial Scorsese evoca a <i>Casino</i>
desde la ampulosidad: luces, construcciones (la importancia de los
escenarios de Nueva York y Las Vegas) y poder que rodean a su personaje,
en ambas películas en estricta relación con el metraje (tres horas de
película en ambas). El dueto de amistad DiCaprio-Hill puede recordar al
de Robert De Niro y Joe Pesci, pero otro guiño desdibuja por completo la
relación de Belfort con su segunda esposa, Naomi (Margot Robbie): una
fuerte discusión, con la hija de ambos como víctima, intenta ser un
calco a una de Sam Rothstein y Ginger McKenna (De Niro-Sharon Stone).</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Tampoco estamos en presencia de "la
mejor actuación de Leonardo DiCaprio", una frase que suele repetirse en
los últimos años con sus nuevas películas. Lo que no quiere decir que
como Jordan Belfort tenga una actuación poco meritoria un actor que ha
trabajado con los mejores directores de Hollywood en las últimas décadas
(Scorsese, Spielberg, Eastwood, Cameron, Tarantino). Pero en la ocasión
dista de lo realizado junto a Scorsese en su rol como el magnate Howard
Hughes en <i>El aviador</i> (2004), o de su papel como el esclavista Candie en <i>Django sin cadenas</i>
(Quentin Tarantino, 2012), donde destaca sus dotes introspectivos y que
con Belfort simplemente no funcionan en 180 minutos de película. La
dirección de Scorsese hacia su personaje requiere de vigor, ceremonia y
vitalidad hasta el límite, aunque luego de la primera hora de metraje su
personaje está claramente inflado y solo se destaca en escenas
puntuales, en su mayoría acompañado por un elenco también con puntos
altos y bajos.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Entre los puntos altos del reparto, dos actores se distinguen. Kyle Chandler (<i>Super 8</i>; <i>La noche más oscura</i>),
aquí como agente del FBI; un actor que necesita solo dos escenas (un
diálogo con DiCaprio en un barco y otra en un vagón del subte) y pocas
palabras para elevar el guión de Terence Winter. Y el otro es Matthew
McConaughey -de poca participación aunque en una escena clave en el rol
de Mark Hanna, que actúa como mentor del inexperiente Belfort-, actor de
considerable crecimiento en los últimos años en papeles como en <i>Killer Joe</i>, <i>Mud</i> y <i>Dallas Buyers Club</i>.
Otro muy buen actor, pero que por su parte no logra destacarse, es
Jonah Hill como Donnie Azoff, asistente personal de Belfort. Hill es un
joven talento de la actual comedia estadounidense (<i>Super Cool</i>; <i>Moneyball, el juego de la fortuna</i>; <i>Este es el fin</i>)
que aquí corre con la misma suerte de DiCaprio: les juega en contra el
metraje para la evolución de sus limitados personajes. En el caso de
Hill hasta parecen molestarle los grotescos dientes falsos en su boca.
Aunque por otro lado ambos actores comparten una de las escenas mejor
logradas por Scorsese en los últimos años, luego de consumir con abuso
unas pastillas hace tiempo vencidas. Rob Reiner (director de <i>Cuenta conmigo</i> y de <i>Mi querido presidente</i>)
como el gruñón Max Belfort, padre protector de las finanzas de Jordan,
es otro punto a señalar en el rumbo de comedia, como asimismo un cameo
del notable director Spike Jonze (<i>El ladrón de orquídeas</i>; <i>Ella</i>) en el papel de un paupérrimo vendedor de acciones.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">En la música del film, Scorsese junto
con Howard Shore confirman sus vigencias. Un retrato de época con una
estimable banda sonora a cargo de Robbie Robertson que incluye hits como
"Mrs. Robinson" (The Lemonheads), "Everlong" (Foo Fighters), "Insane In
The brain" (Cypress Hill), "Gloria" (Umberto Tozzi), "Never Say Never"
(Romeo Void), "Uncontrollable Urge" (Devo); sin dejar de lado a los
preferidos del director: Howlin' Wolf ("Spoonful") y Bo Diddley ("Road
Runner", "Pretty Thing", "I Need You Baby-Mona"). La banda sonora es tan
variada como irresistible. La fotografía de Rodrigo Prieto por momentos
supera el absoluto dueto Scorsese-Winter en la narración: saca ventaja
junto al vestuario (a cargo de la reconocida Sandy Powell), con énfasis
en los colores, y sobresale en escenas como la de un accidente marítimo,
propia del cine catástrofe.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><i>El lobo de Wall Street</i> es una
película propia de los tiempos revisionistas que corren en Estados
Unidos. Un retrato histórico que evoca a la distancia personajes como
Jay Gatsby en parte de su formación y a criminales contemporáneos como
Bernard Madoff, pero que se sirve de un personaje central y <i>bon vivant</i> que, como el <span style="text-decoration: underline;"><a href="http://www.uypress.net/hnnoticiaj1.aspx?40507,109" target="_blank">Gatsby de Baz Luhrmann (2013)</a></span>,
es interpretado por Leonardo DiCaprio no en su mejor momento. El film
es una revisión del "sueño americano" por parte de un especialista
detrás de cámara, quien más allá de repetir viejas recetas narrativas a
sus 71 años cuenta con el mérito de no juzgar directamente a su "lobo"
con moralinas ni oportunismo ramplón, sino que prefiere proponer de
forma directa una reflexión a los espectadores, por qué no "corderos",
sobre el ascenso de un mediocre estafador. Una sátira que tiene al
elemento de culpa con una trascendencia similar a la de la última bala
en la recámara previo al disparo.</span></span></span><br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><i></i></span></span></span><br />
<span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><i><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/ScorseseWallStreetWolf_ParamountPictures_zps2508618a.jpg" height="225" width="400" /></i></span></span></span></div>
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Dirección: Martin Scorsese. Guion: Terence Winter (basado en el libro homónimo de Jordan Belfort). Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Thelma Schoonmaker. Música: Howard Shore. Elenco: Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie, Kyle Chandler, Matthew McConaughey, Rob Reiner, Jean Dujardin, Jon Bernthal. 180 minutos. 2013.
</span>Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-77675389438862617892013-12-24T10:11:00.002-02:002013-12-27T23:05:03.000-02:00A 40 años del estreno de "El exorcista"<div style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;"><img height="224" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/exorcista-warnerbros55_zpsa53c5649.jpg" width="400" /></span></span></span></span></div>
<div style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">Estrenada
el 26 de diciembre de 1973 en Estados Unidos, </span></span><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">El
exorcista</span></i></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">
es la película de terror más extravagante jamás realizada y una de
las mejores filmadas en la historia del cine. El trabajo de cámara
en interiores del director William Friedkin (</span></span><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">Contacto
en Francia</span></i></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">,
1971; </span></span><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">Vivir
y morir en Los Ángeles</span></i></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">,
1985; </span></span><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">Killer
Joe</span></i></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">,
2011) y su recurso del claroscuro son consagratorios al desafiar a un
género que como característica apela a causar una primera
impresión. El susto es aquí lo que la risa para la comedia. A modo
de ejemplo: uno mira de niño las primeras películas de </span></span><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">Pesadilla</span></i></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">,
con Freddy Krueger, y puede sentir el efecto; las vuelve a ver a los
treinta años y cuesta no reírse. Ni que hablar con la saga de
</span></span><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">Martes
13</span></i></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">,
con ese Jason de paso cansino que siempre atrapará a sus víctimas
sin importar cuán rápido corran. Maniqueísmos que son parte de la
identidad de un género con un lenguaje y una intertextualidad
propios que ha mutado desde los años veinte del siglo XX (</span></span><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">El
gabinete del doctor Caligari</span></i></span><span style="color: black;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,</span></span></span><span style="color: black;"><i><b>
</b></i></span><span style="color: black;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">Robert
Wiene, 1920</span></span></span></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">;
</span></span><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">Nosferatu</span></i></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">,
F.W. Murnau, 1922) hasta la actualidad.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-weight: normal;">En
</span><i><span style="font-weight: normal;">El
exorcista</span></i><span style="font-weight: normal;">
se establece un fenómeno singular, como también ocurre con </span><i><span style="font-weight: normal;">La
noche del cazador</span></i><span style="font-weight: normal;">
(Charles Laughton, 1955): con el paso de los años, visiones y
revisiones, ambos films nada pierden, sino ganan. Imágenes, planos y
secuencias adquieren una cualidad simbólica: el rostro convertido de
Linda Blair, la rotación de su cabeza, su masturbación con un
crucifijo o su levitar; los nudillos tatuados del sacerdote
interpretado por Robert Mitchum o la </span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://www.youtube.com/watch?v=8t-konY4cHE" target="_blank"><span style="font-weight: normal;">escena
del canto</span></a></u></span></span><span style="font-weight: normal;">
sobre la dualidad del Bien y el Mal, filmada con maestría por
Laughton. Ambas películas comparten un factor clave que trasciende
al género: el elemento de </span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">perversión</span></span><span style="font-weight: normal;">
sobre el cristianismo mediante un proceso de redención con un guión
de lecturas múltiples que abarcan terror, drama y hasta comedia. La
simbología del Mal se expone más allá de una fachada</span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
ya sea tomando el cuerpo de una niña o bajo una sotana.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-weight: normal;">La
sexta película de Friedkin contó con una característica que suele
acompañar a los films de terror: la fortuna. En la taquilla recaudó
más de 440 millones de dólares (mientras costó 11 millones) y supo
aprovechar, como el caso de </span><i><span style="font-weight: normal;">Psicosis</span></i><span style="font-weight: normal;">
(Alfred Hitchcock, 1960), los factores de histeria y morbo provocados
en el público en años en los que no existían los videoclubes y
mucho menos Internet. En las exhibiciones de ambas películas eran
comunes los </span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=VsA3nxzgK-M" target="_blank"><span style="font-weight: normal;">gritos
y las corridas en las salas de cine</span></a></u></span></span><span style="font-weight: normal;">.
La publicidad jugó su partido en favor de Friedkin: desde los que
definían al film como satánico y hereje hasta las ambulancias
estacionadas en las puertas de los cines.</span></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-weight: normal;"><img height="248" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/exorcistaBurstyn_zps53ffd5db.jpg" width="400" /> </span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-weight: normal;">Su
estreno en la década de los años setenta se sumó a películas que
legitimaron un renacimiento de la industria de Hollywood a nivel
mundial: </span><i><span style="font-weight: normal;">El
padrino</span></i><span style="font-weight: normal;">
(Francis Ford Coppola, 1972), </span><i><span style="font-weight: normal;">Tiburón</span></i><span style="font-weight: normal;">
(Steven Spielberg, 1975) y la saga de </span><i><span style="font-weight: normal;">Star
Wars</span></i><span style="font-weight: normal;">,
iniciada por George Lucas en 1977. En </span><i><span style="font-weight: normal;">El
exorcista</span></i><span style="font-weight: normal;">,
e</span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">l
Mal invade la estructura familiar a través de los hijos predilectos
de Dios según el cristianismo: los niños. Esto asimismo ocurre con
la transformación de Anakin Skywalker, con la muerte de un niño en
el segundo ataque del tiburón de Spielberg, y es el efecto que
persigue un film de influencia sobre el de Friedkin, estrenado cinco
años antes: </span></span><i><span style="font-weight: normal;">El
bebé de Rosemary </span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(Roman
Polanski, 1968).</span></span><b><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;"> </span></span></b></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><b><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">Basada
en un caso de exorcismo realizado en 1949, </span></span></b><i><span style="font-weight: normal;">El
exorcista </span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">es
una novela publicada en 1971 por </span></span><b><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">William
Peter Blatty, quien asimismo se encargó de la producción y del
guión en la adaptación cinematográfica de Friedkin y fue clave
para alejar a Marlon Brando de liderar el elenco. En la etapa de
preproducción, Friedkin no fue la primera opción. Warner Bros
lamentó la negativa de Stanley Kubrick para dirigir la película al
no poder producirla, además de molesto por las polémicas internas
que mantenía con la empresa alrededor de su </span></span></b><b><i><span style="font-weight: normal;">Naranja
Mecánica</span></i></b><b><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
de 1971. Por otra parte, el director trabajaba día y noche en un
ambicioso proyecto sobre Napoleón Bonaparte. (En 1975 estrenaría
</span></span></b><b><i><span style="font-weight: normal;">Barry
Lyndon</span></i></b><b><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
con Warner).</span></span></b></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><b><i><span style="font-weight: normal;">El
exorcista</span></i></b><b><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
cuenta</span></span></b><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
varias historias que rodean a un mismo proceso: la Fe. Una de éstas
es sobre el martirio y vindica una analogía entre el de la niña
Regan MacNeil al estar poseída y el de Jesucristo en su crucifixión
según la Biblia. La niña en su cama y Cristo en la cruz. Regan
insulta y lanza explícitas maldiciones a sus exorcistas, mientras
hay quienes han afirmado que Jesucristo lo hizo ante sus
torturadores.</span></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><b><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;"><img height="262" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/warnerExorcist_zpsb430006e.jpg" width="400" /></span></span></b></span></span> </span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">Otra
historia comienza antes, en las ruinas de Hatra (Iraq). Se presenta
al arqueólogo Merrin (Max von Sydow) tras una apertura que incluye
un plano general y un travelling con decenas de excavadores en su
tarea. Luego, en un plano admirable se proyecta bajo el sol un primer
conflicto: el encuentro de Merrin con una estatua del demonio Pazuzu.
Luego vendrá la ciudad de Washington y el paso a la gélida y
profunda noche, a la que se le suma la determinante llegada de un
personaje clave: el párroco Damien Karras (Jason Miller) con su
conflicto personal, en crisis de fe por su madre enferma. El
espectador atenderá la presentación de Regan, quien tras jugar con
la Ouija atraerá al Mal. Su madre, la actriz </span></span><span style="font-style: normal;">Chris
MacNeil (Ellen Burstyn), recurrirá a varios especialistas
científicos y racionales para tratar a su hija hasta llegar a un
único camino posible: la teología. Friedkin con su cámara y Blatty
desde el guión no tienen apuro en construir con éxito un clima, al
presentar conflictos que se entrelazan con el regreso al film de
Merrin, quien además de ser arqueólogo es un sacerdote con
experiencia en exorcismos. </span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">Desde
el clásico e icónico plano de Merrin en la puerta de la casa de la
niña ante la luz que surge detrás de la ventana de la habitación
</span></span><span lang="es-UY"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">—</span></span></span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">influenciado
por “El imperio de las luces”, de René Magritte</span></span><span lang="es-UY"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">—</span></span></span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
que lo vincula con el previo encuentro con Pazuzu, se cierra un
círculo y termina un acto. No queda más que progresión dramática
y terrorífica.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">El
mayor acierto de </span></span><i><span style="font-weight: normal;">El
exorcista</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
es que cumple con la premisa de generar un genuino sentimiento de
terror en el espectador sin jamás dejar de lado el entretenimiento.
Friedkin siempre supo que su mayor mérito era el de exponer una
presencia, el Mal, y hacerlo el principal protagonista. Para su
creación halló buenos aliados: la historia, el guión y los
consejos de Blatty, un elenco a la altura (Linda Blair, Max von
Sydow, Ellen Burstyn, Jason Miller, Lee J. Cobb) y talento en los
trabajos de fotografía (Owen Roizman), maquillaje (Dick Smith),
efectos especiales (Marcel Vercoutere) y la música de Jack Nitzsche
y Mike Oldfield.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">En
los últimos años, el cine de terror ha sufrido más vilipendio que
parodia; años en los que una saga como </span></span><i><span style="font-weight: normal;">Saw</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
(2003-2010) ha tenido cierto éxito </span></span><span lang="es-UY"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">—</span></span></span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">y
mucho peor, provocado la aparición de otras nefastas, caso de </span></span><i><span style="font-weight: normal;">Hostel
</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">(2005-2011)</span></span><span lang="es-UY"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">—</span></span></span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
se han realizado remakes innecesarias y una película discreta como
</span></span><i><span style="font-weight: normal;">La
cabaña del terror</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
(Drew Goddard, 2012) ha sido proclamada como una gran heredera del género. Hay que
ver y volver a ver </span></span><i><span style="font-weight: normal;">El
exorcista </span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">por
su condición ceremonial, por su celosa composición de atmósfera y
por su auténtico carácter refundacional del género:</span></span><span lang="es-UY"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
logros</span></span></span><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
que comparte con películas categóricas como </span></span><i><span style="font-weight: normal;">El
bebé de Rosemary</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
</span></span><i><span style="font-weight: normal;">La
noche de los muertos vivientes</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
</span></span><i><span style="font-weight: normal;">El
resplandor</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
</span></span><i><span style="font-weight: normal;">La
cosa</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
</span></span><i><span style="font-weight: normal;">Mulholland
Drive</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
y </span></span><i><span style="font-weight: normal;">Exterminio</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">.</span></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;"> </span></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span></span></span>
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: x-small;">Dirección:
William Friedkin. Guión y producción: William Peter Blatty.
Fotografía: Owen Roizman. Efectos especiales: Marcel Vercoutere.
Maquillaje: Dick Smith. Música: </span></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">Jack
Nitzsche y Mike Oldfield. Elenco: Linda Blair, Max von Sydow, Jason
Miller, Ellen Burstyn, Lee J. Cobb. 132 minutos (edición del director). 1973.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<img height="219" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/Exorcist_Warner2_zps785a22cd.jpg" width="370" /></div>
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Tráiler:</span><br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"> </span><script src="http://player.sambatech.com.br/current/samba-player.js?playerWidth=540&playerHeight=360&ph=2c0439f3918facb5cd6ba94031cc6894&m=67a1653d2889ffd7674d3f30b411a9d2&autoStart=true&hasResize=false&hasResize=false"></script>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-76594394118225540282013-12-04T11:39:00.000-02:002013-12-04T11:42:38.180-02:00Este es el fin, de Seth Rogen y Evan Goldberg<img height="236" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/ThisIsTheEnd_ColumbiaPictures_zpse72bac8e.jpg" width="400" />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><i>Este es el fin</i> es un
delirio, repleta de chistes y gags autorreferenciales de las comedias
estadounidenses de los últimos años y hasta de las películas de los
actores que participan, que no son pocos. Es una parodia sobre la
maquinaria de Hollywood y su supuesta condición de "escenario de los
sueños". ¿Quiénes mejor para hacerlo en la actualidad que la dupla de
Seth Rogen y Evan Goldberg? Difícil. Primero, ambos se ríen de ellos
mismos como supuestos creadores (guionistas de <i>Superbad </i>y de <i>Pineapple Express</i>,<i> </i>y aquí debutantes en la dirección). Luego, de todos y de todo. En este film, basado en un <span style="text-decoration: underline;"><a href="http://www.youtube.com/watch?v=ehNFPShWTsg&feature=player_detailpage" target="_blank">corto de Seth Rogen y Jay Baruchel</a></span>, no se salva nadie.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">En el aeropuerto LAX de Los Ángeles,
Rogen espera el vuelo de Baruchel, de visita en una ciudad que detesta.
Fuman porro en la mansión de Rogen y éste convence a su amigo para que
lo acompañe a una fiesta en casa de James Franco, que será alterada por
eventos inesperados. En la reunión, plagada de jóvenes celebridades de
la actualidad, salvo un par de los presentes nadie parece conocer a
Baruchel (como Rogen de nacionalidad canadiense, actor de <i>Million Dollar Baby</i>, <i>Ligeramente embarazada</i> y <i>Trophic Thunder</i>, entre otras).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Es un buen comienzo de esta estridente comedia que el afable Michael Cera (<i>Juno</i>, <i>Superbad</i>, <i>Arrested Development</i>)
resulte empalado a causa de un temblor vinculado al Apocalipsis luego
de un perverso raid personal de sexo y cocaína, y que Rihanna y Aziz
Ansari no se salven de un cráter en las colinas de Hollywood justo
frente a la mansión de Franco.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">La parodia a un microuniverso es
completa al ver a comediantes como Rogen, Baruchel, Franco, Jonah Hill,
Craig Robinson y Danny McBride repartir talento y dejando egos de lado,
asustados en la mansión de Franco y burlándose de sus propias
inutilidades, ergo, del posible comportamiento de celebridades en una
situación de supervivencia extrema. En una escena son robados por la
joven Emma Watson (Harry Potter) que, hacha en mano, parodia a Jack
Torrance de <i>El Resplandor</i>. En otra, Hill es poseído por un demonio dotado, lo que provocará un tributo a <i>El exorcista</i>.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Autárquica, iconoclasta y
conscientemente insolente desde su retórica, y con un número musical más
que barroco y sumamente bizarro luego de dejar atrás a un demonio
gigante con su pene mutilado en mano mientras arde Los Ángeles y las
letras de Hollywood en la cima de la colina no son más que cenizas, <i>Este es el fin</i> es la comedia del año por destrozo.</span></span></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">Dirección y guión: Seth Rogen y Evan Goldberg.
Fotografía: Branson Trost. Música: Henry Jackman. Elenco: Seth
Rogen, Jay Baruchel, James Franco, Jonah Hill, Craig Robinson, Danny
McBride, Emma Watson, Michael Cera. 106 minutos. 2013.</span></div>
<br />
<br />
<span style="font-size: small;"> </span>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-57722621153786916972013-11-24T15:58:00.000-02:002013-11-24T15:59:36.744-02:00Capitán Phillips, de Paul Greengrass<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"><img height="225" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/captain_phillips_ColumbiaPictures_zpsb2263ed7.jpg" width="400" /></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">El director
británico es un experto en el manejo de tensión y climas, un
realizador más que interesante para situar al cine de acción de
Hollywood en la actualidad. En </span><i><span style="font-weight: normal;">Domingo
sangriento</span></i><span style="font-weight: normal;">
(2002) y en </span><i><span style="font-weight: normal;">United
93</span></i><span style="font-weight: normal;">
(2006) tomó historias reales a las que con su cámara les indujo una
vitalidad visual y emocional. Greengrass es un amante de la técnica
del documental y también de la ficción (</span><i><span style="font-weight: normal;">La
supremacía de Bourne</span></i><span style="font-weight: normal;">,
2004; </span><i><span style="font-weight: normal;">El
ultimátum de Bourne</span></i><span style="font-weight: normal;">,
2007). Con sus típicos “jump cuts” y su inquieta cámara en mano
busca la generación de suspenso in crescendo más que una ruptura.
Sus aciertos en los encuadres y especialmente en el montaje final
entre tanta toma, claves para el resultado final, recuerdan al
Jean-Luc Godard de </span><i><span style="font-weight: normal;">Sin
aliento</span></i><span style="font-weight: normal;">
(1959) y </span><i><span style="font-weight: normal;">El
soldadito</span></i><span style="font-weight: normal;">
(1963). En sus películas, Greengrass genera una sensación de
encierro al espectador pero no lo abruma ni subestima, ya que lo
tiene en cuenta como parte fundamental de lo que le presenta.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">Por otra parte,
están quienes afirman que el británico no es más que un talentoso
maniqueísta que apela al vértigo y trucos con su cámara para no
evidenciar falencias en su narración fuera de la lente. Quizá estos
detractores puedan observar la composición de </span><i><span style="font-weight: normal;">Capitán
Phillips</span></i><span style="font-weight: normal;">,
en la que no solo el trabajo de cámara está en un excelente nivel
además de contar con la notable dirección de fotografía de Barry
Ackroyd (especialmente en la descripción visual del barco carguero
en mar abierto), sino que cuenta con un sobrio guión de Billy Ray
(basado en la novela “A Captain's Duty”, de Richard Phillips y
Stephen Dalty) y con dos actores de lujo: Tom Hanks y el sorprendente
Barkhad Abdi. </span></span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">La película se
basa en un hecho real: en 2009, cuatro piratas somalíes secuestraron
el barco carguero Maersk Alabama que recorría el cuerno de África
en ayuda humanitaria y luego tomaron de rehén al capitán Richard
Phillips, a cargo de la nave estadounidense. En la ficción es
interpretado por Tom Hanks, quien se encarga de la construcción de
un hombre regular no en un héroe sino en alguien apto para la
supervivencia (algo que ya hizo el actor en </span><i><span style="font-weight: normal;">Náufrago</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,</span></span><span style="font-weight: normal;">
en el año 2000 junto al director Robert Zemeckis, pero aquí con
mayor densidad dramática). Sobresale el contraste entre el aplomo de
la performance de Hanks con la fulminante narración visual de
Greengrass. Una de las claves para que funcione la película.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Otra clave es la
presencia de la némesis del capitán: el líder de los piratas, el
descarnado Muse, interpretado con luces por Barkhad Abdi. Un líder
de hombres desesperados y a su vez oprimidos por una organización
criminal jerarquizada. Pescadores devenidos en mercenarios. Así se
lo confirma Muse a Phillips: “Debe haber algo más que ser pescador
o pirata”, pregunta el americano. La respuesta del africano: “Tal
vez en América”. </span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Greengrass no se deja
llevar por el ritmo en su uso de cámara y sabe que esta historia no
es la de Jason Bourne. También es consciente que en el cine hay muy
poco para inventar. Como cineasta clásico y realista reconoce los
primeros planos de los rostros, rumbo a la desesperación, de
Phillips y Muse, dos hombres, dos capitanes, reunidos por
circunstancias externas y feroces. El dinero y el hambre. La última
escena en la que vemos a Phillips deja en evidencia, con una economía
tan brutal como admirable, lo que es capaz de hacer Hanks como actor.</span></span></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Dirección:
Paul Greengrass. Guión: Billy Ray. Fotografía: Barry Ackroyd.
Edición: Christopher Rouse. Elenco: Tom Hanks, Barkhad Abdi, Barkhad
Abdirahman, Michael Chernus, Catherine Keener. 134 minutos. 2013.</span></div>
<div style="font-weight: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: inherit;"></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"></span></div>
<br />
<br />Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-47114482333259777722013-10-28T11:56:00.000-02:002013-11-02T00:21:35.106-02:00Sunday Morning: Lou Reed muere a los 71 años<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/loureedbicicleta_zps2753a266.jpg" /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<i><span style="font-family: inherit;">El artista neoyorquino murió este domingo, en su ciudad, a los 71
años. Líder de The Velvet Underground y con una versátil carrera
como solista refundó el rock n' roll e influenció a generaciones de
músicos alrededor del mundo.</span></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Cantante, guitarrista, frontman, poeta, escritor, pintor. Cultor
del avant-garde, protegido de Andy Warhol. Artista. Provocador.
Perseguidor. Un animal del rock n' roll. Lewis Allen Reed murió este
domingo a sus 71 años en su residencia de Southampton (Nueva York).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span><span style="font-family: inherit;"> </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">La causa fue una larga enfermedad que le tomó el hígado. Meses
atrás había sido intervenido con un trasplante en Ohio. Estaba
delicado.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><b>Peel Slowly & See</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">En los años sesenta del siglo XX, junto con John Cale, Sterling
Morrison y Maureen Tucker formó The Velvet Underground. "La
banda de los protegidos de Andy Warhol", artista vanguardista
radicado en Nueva York y refundador del arte moderno. La música de
la banda era oscura, estridente, una patada de bota de cuero en la
cara al flower power triunfal del oeste californiano. Camperas de
cuero, lentes oscuros por las noches y jeringas de mano en mano en
tugurios y callejones de Manhattan. Canciones como "I'm Waiting
For The Man", "Heroin", "Venus in Furs" y
"The Black Angel's Death Song" lo dejaron patente. Aquella
voz de Reed no fue la de una generación: fue la de una ciudad que
hace rato mutó. Un testimonio y tesoro que respira, grita y medita
por siempre.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span><span style="font-family: inherit;"> </span><br />
<span style="font-family: inherit;">En 1967 lanzaron su primer disco: <i>The Velvet Underground &
Nico</i> (junto con la modelo alemana Nico en la voz, jugada
marketinera de Warhol tras una sugerencia del rolling stone Brian
Jones). En los dos años posteriores el álbum no los consagró salvo
en un más que reducido círculo (en sus primeros años de vida no
vendieron más de 30.000 copias con suerte, según testimonio de
Brian Eno). En 1968 publicaron <i>White Light/White Heat</i>, donde
reinan la distorsión y el hermetismo artístico. En 1970 llegó el
fin de la banda, pero en los años posteriores lentamente se comenzó
a hablar de la Velvet como una banda de culto: la actitud, el sonido,
la vanguardia.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Su influencia es inabarcable: desde los primeros discos de David
Bowie, pasando por T. Rex, Iggy Pop, Roxy Music, Sex Pistols, Talking
Heads, The Cure, Sumo, R.E.M., Sonic Youth, Nirvana y The Strokes.
Hay una frase célebre, dicha por varios músicos de diferentes
maneras a lo largo de las décadas sobre el carácter fundacional de
la banda: "Siempre fue la Velvet Underground..." ("It
was always The Velvet Underground").</span><br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/LouReed1967-warhol-velvet-underground_zpsfb3af4b6.jpg" /> </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><b>Take no prisoners</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">En la década del setenta, Reed lanzó discos dispares:
<i>Transformer</i> (1972) fue recibido con beneplácito por la
crítica y sus canciones "Perfect Day", "Satellite Of
Love" y "Walk On The Wild Side" sonaban en las radios
estadounidenses como ninguna otra canción de su fatídica Velvet. Un
año después salió <i>Berlin</i>, disco introspectivo como
terrible ("Kids" y "Sad Song"): una ópera sobre
la historia de dos drogadictos en la capital alemana. En 1975 publicó
<i>Metal Machine Music</i> y tan solo el crítico musical Lester
Bangs lo celebró: una ópera de guitarras y sintetizadores, sin
bajo, voz y batería, donde reinan una estridencia y un caos que
dejan a <i>White Light</i> como una canción de cuna. La respuesta
de Reed a su discográfica que le pedía un nuevo <i>Transformer</i>.<i>
</i>Una gran broma, un disco imposible, un <i>delirium tremens</i>
hacia el infinito. Hay miles de fanáticos de Reed que jamás
escucharon más de cinco minutos, y mucho menos por completo.
(También hay miles que hoy visten remeras con la banana de Warhol de
la portada del primer disco de la Velvet y jamás escucharon el disco
más allá de "Heroin").</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Luego llegaron <i>Coney Island Baby </i>(1976),<i> Street
Hassle </i>(1978),<i> The Blue Mask </i>(1982),<i> New York</i>
(1989), entre otros. La carrera de Reed fluctuó entre aciertos y
desaciertos pero siempre bajo retos que el fanático de la poesía de
Delmore Schwartz y de Arthur Rimbaud se imponía.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span><span style="font-family: inherit;"> </span><br />
<span style="font-family: inherit;">En 1992 lanzó <i>Magic and Loss</i>. Un disco hermoso, sobre la
magia y la pérdida, la vida y la muerte, particularmente esta
última. La quinta canción del disco es <span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://www.youtube.com/watch?v=KWm_RzQuWhk" target="_blank">"Sword
of Damocles"</a></u></span></span>, dedicada a un amigo que
falleciera a causa de una enfermedad terminal, como tantos otros
cercanos al artista. Los arreglos (particularmente la intro) y el
ritmo son dantescos, generando un clima de vertiginosa soledad hasta
un punto final. Pero Reed, según dijo al New York Times su doctor
personal, de apellido Miller, murió rodeado de seres queridos que
estuvieron a su lado en una mañana de domingo. Si la espada de
Damocles estaba sobre su cabeza, solo Lou lo sabía.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><b>Dreamin' - Escape</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Reed vivió sus excesos años antes de crear la Velvet, y entre
1966 y 1975 mucho más: en los años setenta padeció la adicción a
la heroína como pocos, pero a su desgarro siempre lo convirtió en
arte. Magia y pérdida. En la década de los ochenta su vida cambió:
dejó sus viejos vicios (porque se moría) y brindaba pocas
entrevistas en las que hablaba de su acercamiento a lecturas sobre
filosofía oriental y del Tai Chi, disciplina que comenzó a
practicar. En noviembre del 2000, como parte de su gira sudamericana
del disco <i>Ecstasy</i>, dio un concierto en el Teatro de Verano
de Montevideo. En 2011 grabó el disco <i>Lulu</i> junto a
Metallica. En los últimos años se lo vio recorriendo las calles de
Nueva York en bicicleta: unas calles que caminó en mil y una noches
y que conocía como la palma de su mano, esa que dejó tesoros como
"Sunday Morning", "Stephanie Says", "Pale
Blue Eyes", "Perfect Day" y más, mucho más.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">"Lou murió dando pelea; hizo sus ejercicios de Tai Chi tan
solo una hora antes de morir", dijo el doctor Miller al New York
Times.</span></div>
<br />
<br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/3qK82JvRY5s?feature=player_embedded" width="520"></iframe>
<span style="font-size: x-small;">
Publicado el domingo 27/10/2013 en la agencia de noticias <a href="http://www.uypress.net/hnnoticiaj1.aspx?45655,109" target="_blank">Uypress</a></span>Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-15057120380197531172013-10-23T14:48:00.001-02:002013-10-23T14:49:04.855-02:00Gravedad, de Alfonso Cuarón<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/Gravedad_WarnerBros_zpsb4bc656b.jpg" /> </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">El argumento es simple: los astronautas Ryan Stone (Sandra
Bullock) y Matt Kowalski (George Clooney) sufren un accidente en su
transbordador y quedan varados en el espacio. Un escenario expuesto
con talento estético por el mexicano Alfonso Cuarón en las tomas
subjetivas y los largos planos secuencia, los trucos del recurso de
cámara free-float (Zero-G/Gravedad Cero) en los movimientos de los
astronautas, junto con el apoyo en los admirables trabajos de
Emmanuel Lubezki en la fotografía y de Steven Price, Glenn
Freemantle y Hugo Adams en el sonido.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><i>Gravedad </i>es una experiencia de simulación e ilusión; un
film que hay que ver en la sala de cine. Una celebración visual, del
3D: un trabajo superior que se destaca junto con <i>Avatar</i>
(James Cameron, 2009) y las películas de Pixar en años de avalancha
abusiva del formato por parte de Hollywood.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Sin necesidad de grandes metáforas y sermones multidireccionales,
el film construye un conflicto catártico y humanista que recae en la
experiencia y nostalgia del personaje de Stone atrapado en cuerpo y
alma ante el espacio como medio hostil, con la trascendencia de la
gravedad y el sonido. La historia de Alfonso y Jonás Cuarón (padre
e hijo) se basa en diálogos de tan solo dos personajes y varios
monólogos, y apela al elemento dramático en Bullock (en su rol como
mujer y madre) y a cierto carisma y humor de Clooney en su papel de
veterano astronauta. Pero el actor no actúa como un bufón: junto
con su coprotagonista sostienen la tensión dramática y a la vez
responden con aptitud las intensas coreografías que requiere el
movimiento en Zero-G (Gravedad Cero).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="font-weight: normal;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><i>Gravedad </i>no es una película de ciencia ficción; es un
drama que le debe más al teatro isabelino que a la neoplatónica,
mística y hermética <i>2001: odisea del espacio</i> (Stanley
Kubrick, 1968), film al que se lo ha comparado sin mayores
fundamentos salvo por el incuestionable azote circular del espacio
sobre el individuo y por sus evidentes méritos técnicos.</span></span></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"> </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/gravity-alfonso-cuaron-george-clooney-sandra-bullockWarner_zpscdcd103e.jpg" style="font-family: inherit;" /></span></div>
<br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span>
<br />
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: x-small;">Dirección:
Alfonso Cuarón. Guión: Alfonso y Jonás Cuarón. Fotografía:
Emmanuel Lubezki. Sonido: Steven Price, Glenn Freemantle y Hugo
Adams. Elenco: Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris. 90 minutos.
2013.</span></span></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<div style="font-weight: normal;">
<br /></div>
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit; font-size: x-small;">Tráiler:</span><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/Ud2OXg92OLU?feature=player_embedded" width="480"></iframe>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-45399604808520919242013-08-15T14:26:00.001-03:002013-08-20T14:53:40.386-03:00Los amantes pasajeros, de Pedro Almodóvar<div style="text-align: justify;">
<span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/AlmodovarAmantesPasajeros-ElDeseo_zpsd9901323.jpg" /> </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">Se
puede afirmar que la última comedia del director manchego es de un
vuelo tan breve y fallido como el del avión de la compañía
Península. El recorrido original es de Madrid a México D.F., pero
tras un problema con el tren de aterrizaje, que deja al avión
volando en círculos, se buscará evitar la fatalidad con un
aterrizaje forzoso en el aeropuerto de La Mancha, en la misma España.
Mientras los pilotos buscan sortear fallas en pos del objetivo, la
película no llega a ningún destino debido a un precario tratamiento
de tópicos recurrentes del cine de comedia en el aire, conocido con
éxito por ejemplo en </span></span><i><span style="font-weight: normal;">¿Y
dónde está el piloto?</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">,
de Jim Abrahams y David y Jerry Zucker (1980): risas en el reducido y
teatral espacio de un avión, donde las posibilidades de tragedia y
paranoia acechan a kilómetros de altura. No es tarea fácil.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En su vuelo, Almodóvar retrata a una primera clase de pasajeros
paganos, que no son más de cinco, mientras la clase económica
duerme detrás. Si esto supone ser una metáfora del manchego sobre
la actual crisis económica y social de su país, se quedó bastante
corto en el mensaje más allá de su inequívoca superficialidad.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La soledad del actor Javier Cámara en su rol "gay friendly"
como auxiliar de vuelo se traduce en un heroísmo solitario a medida
que avanza el film, mientras el papel de Cecilia Roth como empresaria
de escorts es de una pobreza extrema que encuentra su punto más
ridículo en el uso de otro recurso cliché de situaciones límites a
bordo de un avión: sexo y reviente ante la amenaza del fin. Aquí
Almodóvar cae en un facilismo narrativo propio de películas
permeables y para el olvido del estilo de la saga <i>Scary Movie</i>.
Como anexo a estas situaciones recurrentes de lo peor de la comedia
estadounidense de los últimos años, otro recurso: una escena
aislada, al comienzo de la película, con poca gracia con dos de sus
actores predilectos: Antonio Banderas y Penélope Cruz. Poco y nada
se puede agregar sobre la referencia al escritor chileno Roberto
Bolaño: un tripulante, un romántico asesino mexicano, lee la novela
<i>2666</i>. Parece que en 2013, a diez años de la muerte del
trasandino, están de moda estos guiños aislados en el cine. (En
<i>Nada es lo que parece</i>, uno de los magos lee en un sillón la
novela <i>Los detectives salvajes</i>).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El <i>timing</i> en chistes y gags del guión de Almodóvar,
clave para el funcionamiento de la comedia junto con el elemento de
improvisación, no está a la altura: se acumula el estereotipado
humor gay y de sexo, drogas y pop en cabina, baños y pasillos. Por
otra parte pueden resultar atractivos el número musical de los tres
"azafatos" gays, con Cámara junto a Raúl Arévalo y
Carlos Areces en una coreografía grotesca aunque bien lograda bajo
la melodía de "I'm So Excited", de <i>The Pointed
Sisters</i>; y otra metáfora del cineasta, en el personaje de Lola
Dueñas como una joven vidente virgen que alerta a los paganos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El regreso a la comedia de Almodóvar no resultó. Un lapsus del
director de <i>¿Qué he hecho yo para merecer esto?</i> (1984) y
<i>Mujeres al borde de un ataque de nervios</i> (1988) que acusa la
distancia con los años ochenta. En <i>Los amantes pasajeros </i>hay
un vuelo hacia la nostalgia que resulta circular y sin rumbo,<i> </i>hay
desfachatez e inverosimilitud por doquier (un teléfono celular que
cae donde debe) que desborda cierto estado de felicidad y de reviente
("I'm So Excited"). Pero más allá del aura <i>kitsch </i>y
decadente<i> </i>que atenaza a la película, que la emparenta con
la libertina y militante <i>Pepi, Luci, Bom y otras chicas del
montón </i>(1980), al ver caer los créditos finales ciertas risas
pueden resultar solo pasajeras y quizá hasta caprichosas.<br />
<br />
<br />
<img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/almodovar-amantespasajeros_zps16b1dae6.jpg" /><br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Dirección y guión: Pedro Almodóvar. Fotografía:
José Luis Alcaine. Música: Alberto Iglesias. Elenco: Javier Cámara,
Cecilia Roth, Carlos Areces, Raúl Arévalo, José Luis Torrijo,
Guillermo Toledo, Lola Dueñas, Paz Vega, Penélope Cruz, Antonio
Banderas. 90 minutos. 2013.</span><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<a href="http://www.accu.org.uy/detalle_criticas.php?recordIDPE=953" target="_blank"><span style="font-size: x-small;">Nota publicada en ACCU (20/8/2013)</span></a></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-14712092088939987052013-07-22T11:45:00.000-03:002013-07-23T23:13:09.287-03:00Antes de la medianoche, de Richard Linklater<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/AntesMedianocheLinklater_DetourFilmProduction_zpsdc9f1567.jpg" /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">En </span><i><span style="font-size: small;">Antes del amanecer</span></i><span style="font-size: small;">
(1995), </span><i><span style="font-size: small;">Antes del atardecer</span></i><span style="font-size: small;">
(2004) y </span><i><span style="font-size: small;">Antes de la medianoche</span></i><span style="font-size: small;">
hay un personaje esencial: el tiempo. El que en las tres películas
Linklater ha retratado con travellings, con steady-cam en largas
tomas y escenas y un guión a tres partes, escrito por el director
junto a la pareja de actores protagonistas. El paso del tiempo se
funde en dos personajes: Jesse (Ethan Hawke) y Celine (Julie Delpy).
En las tres películas la acción transcurre durante un día, o para
ser más preciso antes de tres momentos de un día: amanecer,
atardecer y medianoche. La metáfora está servida: juventud (Viena,
verano de 1994), madurez (París, 2003) y adultez (Messinia, 2012).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Partiendo de la historia de amor de Jesse y Celine
como centro, Linklater plantea sus tiempos narrativos al apostar a
una unidad de </span><i><span style="font-size: small;">movimiento</span></i><span style="font-size: small;">
constante que comprende diálogos, silencios y precisión en la
cámara en pos del mensaje, lo que lo ha emparentado al francés
Robert Bresson desde su ópera prima </span><i><span style="font-size: small;">Slacker</span></i><span style="font-size: small;">
(1991). Pero también con Éric Rohmer (</span><i><span style="font-size: small;">Mi
noche con Maud</span></i><span style="font-size: small;">, 1969) en la búsqueda de un
conflicto que apuesta a la conversación sobre la acción física,
basado en la retórica en el discurso (filosófico, existencial) de
partes claramente antagonistas en busca de un contenido aparentemente
uniforme. Con la influencia de la </span><span style="font-size: small;">Nouvelle Vague</span><span style="font-size: small;">, Linklater, junto con el austríaco
Michael Haneke, son dos de los cineastas que con mayor mérito
crítico han sabido retratar a la clase burguesa en las últimas dos
décadas.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">La escena inicial de la película destaca la
continuidad de la saga. El director propone una despedida: en un
aeropuerto, Jesse despide a su hijo (con otra mujer) que acaba de
pasar "el mejor verano de su vida" junto a él. Recordamos
la situación de Jesse en la película anterior. El niño regresa a
Chicago junto a su madre mientras su melancólico padre deja el
aeropuerto, de regreso a su vida. Pero hay otra sorpresa. Jesse y
Celine ya no están solos: están acompañados por sus dos hijas
gemelas, su descendencia. Luego de esta introducción situacional,
Linklater suma al espectador a los paseos de la pareja de amantes, en
la ocasión de vacaciones en la costa de Messinia (Grecia), retratada
con elegancia por la fotografía de Christos Voudouris.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Dentro de las tres películas (separadas por nueve
años cada una), </span><i><span style="font-size: small;">Antes de la medianoche</span></i><span style="font-size: small;">
es la que plantea con mayor claridad el crecimiento del escritor
estadounidense exiliado Jesse y el de la ecologista francesa Celine
como pareja y también como sujetos. Y no necesariamente porque
acusen más arrugas y experiencia a sus cuarenta años o se aprecie
una crisis desde el discurso o en comportamientos según la variación
de escenarios (almuerzo junto a terceros-paseo en paisaje
bucólico-conversación en habitación de hotel). El guión deja en
evidencia el cometido esencial del trío Linklater-Hawke-Delpy desde
1995, desde aquel encuentro casual de los personajes en un tren en
</span><i><span style="font-size: small;">Antes del amanecer</span></i><span style="font-size: small;">:
la revisión del pasado, presente y futuro en tránsito permanente,
que en </span><i><span style="font-size: small;">Antes de la medianoche</span></i><span style="font-size: small;">
se manifiesta con loable talento mientras Jesse, Celine y las niñas
pasan en auto ante las ruinas de la antigua Grecia. "Las
visitaremos a la vuelta, cuando regresemos", explican los
adultos. Aquí el mayor triunfo del azar: una pareja que no deja de
caminar, de crecer, de aprender, aunque con diferencias marcadas,
junta y hacia delante. Y las ruinas siempre quedan detrás, aunque
aparenten rodearlos y ser circulares.</span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;">Dirección: Richard
Linklater. Guión: Richard Linklater, Ethan Hawke, Julie Delpy.
Fotografía: Christos Voudouris. Música: Graham Reynolds. Montaje:
Sandra Adair. Elenco: Ethan Hawke, Julie Delpy, Seamus
Davey-Fitzpatrick, Jennifer Prior, Charlotte Prior, Xenia
Kalogeropoulou, Walter Lassally y Ariane Labed. 109 minutos. 2013.</span></span><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;"><img height="262" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/linklaterdeplyhawke_zpsd2e9e693.jpg" width="400" /></span></span><br />
<br /></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-14145482118049668502013-06-19T12:28:00.001-03:002013-06-20T12:57:14.232-03:00El hombre de acero, de Zack Snyder<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/man-of-steel-Superman_zps6b15548e.jpg" /></span></span><br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;">Aunque esté dirigida por Zack
Snyder (</span><i>300</i><span style="font-style: normal;">, </span><i>Los
Vigilantes</i><span style="font-style: normal;">, </span><i>Sucker
Punch</i><span style="font-style: normal;">), </span><i>El Hombre de
Acero </i><span style="font-style: normal;">es un producto de
concepción e influencia de la visión del director británico
Christopher Nolan, quien aquí ejerce como productor y coguionista
junto a David Goyer. El tratamiento del personaje, aunque claramente
diferenciado del Batman de Nolan por razones obvias (son
diametralmente opuestos), continúa una forma de narración de
similar concepción.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">En esta película, el equipo Snyder-Nolan-Goyer recurre a la
receta que le ha dado cierto crédito a Nolan: el origen del héroe
solitario y su adaptación a nuevas responsabilidades en un medio
hostil (<i>Batman inicia</i>, 2005). Lo que en un comienzo aquí es
eficaz, con un prólogo que cumple al presentar el drama familiar de
Kal-El (Henry Cavill) desde su expulsión apenas nacido en Kripton,
planeta de inminente destrucción, en una nave a la Tierra. Sus
padres, Jor-El y Lara Lor-Van, se encargan del sacrificio ante la
amenaza del golpista General Zod (Michael Shannon).</span><br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/manofsteelkryptonPadres_zpsc1c7141e.jpg" /> </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Una vez en la Tierra, el extraterrestre deberá adaptarse al nuevo
escenario de forma física y sensorial. Un proceso que incluye al
niño y al joven desaliñado y barbudo previo al inmaculado
superhéroe. En el caso del visitante de Krypton, cuenta con poderes
que lo hacen único, de los que adquirirá conciencia y serán causa
de sus nuevas obligaciones. No estará solo, ya que la figura paterna
es clave en su concepción desde sus inicios en la historieta, en
1938, a cargo de Jerry Siegel y Joe Shuster. Esta figura alterna
entre contrastes: por un lado, la retórica de su padre biológico
Jor-El (Russell Crowe); y por otro el ejercicio de la praxis de sus
padres adoptivos terrícolas, Jonathan Kent (Kevin Costner) y Martha
Kent (Diane Lane), granjeros de Kansas.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Por otra parte, aunque en continuidad con la formación del
personaje, es redundante el tiempo que le dedica el guión a la
comparación del héroe con Jesucristo. En el tiempo presente de la
narración (dejando de lado la cantidad de flashbacks, que en
conjunto aportan a la trama) el visitante tiene 33 años, se reitera
su responsabilidad para "dirigir a la humanidad hacia su
libertad" y hasta se agregan dos escenas por si algún
espectador aún no lo tiene del todo claro: su visita a una iglesia y
confesión ante un sacerdote, en la que la cámara toma un vitral con
la imagen de Jesucristo; y otra en la que se entrega a sus
carceleros, esposado en el centro de un plano general. Su sacrificio
es el del mesías ante los <i>otros</i> (lo llaman "freak":
un raro, un incomprendido). El guión y las imágenes están a la
orden de este concepto esencial y alegórico.</span><br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/lois-lane-superman-amy-adams_zps2d24b12f.jpg" /> </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Más allá de este recurso y abuso del guión, hay aciertos.
Sumado al prólogo de Krypton, que concibe al héroe desde su
alumbramiento, la presentación de la periodista Lois Lane (Amy
Adams) en la vida del héroe es sobria y pertinente. No porque se
note una química entre los actores o se narre una gran historia de
amor, sino que los guiños que efectúan Nolan y Goyer entre ambos
personajes resultan sencillos, como también la inclusión de Perry
White (Laurence Fishburne), editor del diario Daily Planet, de
Metrópolis. En esta primera entrega se nota un esmero en la
presentación de los personajes que acompañarán al héroe en lo que
vendrá a futuro.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">En relación con los guiños al universo del personaje,
especialmente en los contrastes entre Krypton y la Tierra, se revelan
detalles que quizá algún espectador no conozca y se establecen con
certeza didáctica (entre otros, cuando se explica que la "S"
en el pecho del héroe no significa Superman, sino el propósito de
su misión).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Hay dos batallas a las que la palabra épica queda chica para una
definición. Una es asombrosa (la de Smallville, pueblito de Kansas
donde se cría Kal-El), breve y mucho más genuina que la segunda, en
Metrópolis, de la que no se puede negar la influencia de la gran
batalla de <i><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2012/05/los-vengadores-de-joss-whedon-2012.html" target="_blank">Los Vengadores</a> </i>(Joss Whedon, 2012), que a
propósito es muy superior a esta. La batalla de Smallville se
destaca porque, más allá de su calidad y novedad en el tecnicismo
fílmico en la acción y sus efectos especiales, se puede entrever el
conflicto íntimo de Kal-El al destrozar su hogar de la infancia y
adolescencia; mientras que a la segunda, ante el villano Zod, le
sobran minutos y le falta vitalidad y un humor necesario (como sí lo
hay en <i>Los Vengadores</i>) en el escenario de una metrópoli que
se derrumba como si fuera de cristal dentro de una irrealidad absurda
y absoluta.</span><br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/Man-of-Steel-General-Zod-and-Faora_zps0289831f.jpg" /> </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><i>El Hombre de Acero</i> no es un clásico instantáneo ni
apodíctico dentro de este alud de producciones de superhéroes; y
menos aún es la mejor película realizada sobre el extraterrestre a
quien los terrícolas llaman Superman. Cavill es austero en su
actuación, pero por momentos parece realmente de acero (</span><span style="font-family: inherit;">le falta el encanto de Christopher Reeve, que también supo enfrentar a Zod en <i>Superman II</i>, de Richard Lester, en 1980), mientras Adams, Crowe, Costner y Lane
no desentonan y Shannon está a la altura como el villano de turno.
La película es un inicio con más aciertos que errores: no hay
innecesarias superposiciones de argumentos y acumulación de
flashbacks que parten de un guión de Nolan (quien ha sabido
efectuarlos al cierre de su trilogía de <a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2012/08/the-dark-knight-rises-de-christopher.html" target="_blank">Batman</a> y en <a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2010/08/inception-de-christopher-nolan-2010.html" target="_blank"><i>Inception</i></a>),
aunque lamentablemente continúa el soporífero tratamiento musical
del alemán Hans Zimmer, quien no cree en los silencios pero sí se
cree un heredero de Wagner en una nueva épica de superhéroe de
Hollywood. Dentro de la filmografía de Snyder aquí no hay grandes
noticias, ya que no se aprecia su sello particular (como sí en su
correcta adaptación de <i>Los Vigilantes</i>, de 2009), pero
tampoco su dirección fracasa en los tiempos de un metraje de casi
dos horas y treinta minutos. Y no menos importante: la película no
está exenta de cierta carga política (históricamente arraigada a
la evolución del personaje de historieta) que retrata los tiempos
que corren: no deja de ser bienvenido que el héroe destruya un drone
y se burle del Ejército nacional de su país, como también la
puerta que se le abre de par en par al novato periodista Clark Kent.</span><br />
<span style="font-size: x-small;"><br /></span>
<br />
<span style="font-size: x-small;">Trailer:</span><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/ks2EJYDb9WY?feature=player_detailpage" width="530"></iframe>
<span style="font-family: inherit;">
</span>
<span style="font-size: x-small;"> </span><br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Dirección: Zack Snyder. Guión: David S. Goyer,
Christopher Nolan. Fotografía: Amir Mokri. Música: Hans Zimmer.
Producción: Christopher Nolan. Elenco: Henry Cavill, Amy Adams,
Michael Shannon, Russell Crowe, Kevin Costner, Diane Lane, Laurence
Fishburne. 2013.</span><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><a href="http://www.accu.org.uy/detalle_criticas.php?recordIDPE=805" target="_blank">Crítica publicada en ACCU (18/6/2013) </a></span></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-70762084502949787662013-06-12T15:01:00.000-03:002013-06-12T15:02:00.670-03:00...Like Clockwork, de Queens of the Stone Age<img height="253" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/like-clockwork1_zpsec9d19bd.jpg" width="400" />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Es de noche en el desierto del Valle
de Coachella, en California. Una de las tantas noches de los últimos
seis años, desde el lanzamiento del <i>Era Vulgaris</i>. Un largo silencio de la banda de Palm Desert se rompe con <i>...Like Clockwork</i>. Josh Homme y los suyos están de regreso. Y con invitados: Trent Reznor, Alex Turner, Jake Shears y Elton John. Sí, Elton John.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Buena parte de la crítica y la industria
en general, han tenido la necesidad de calificar fenómenos musicales
con palabras que los trasciendan y así generar nuevas tendencias e
identificación en el público. Modas para algunos, estilos de vida para
otros. Pregúntenle al punk, al grunge, a la new wave. En el caso
particular de Queens of the Stone Age, para definirlos, les colocaron
las etiquetas <i>desert rock </i>y <i>stoner rock</i>. Pero en
realidad no es tan difícil intentar una aproximación al sonido de la
banda: partiendo del hard rock alternativo, una mezcla abierta de
géneros, que muta desde el heavy metal de los primeros discos de Black
Sabbath en los riffs de guitarra de Homme (ya conocidos en su etapa en
la banda Kyuss) hasta la distorsión lograda por Steve Albini en las
grabaciones de <i>In Utero</i> de Nirvana. Influencias más directas
del rock de los años 70 y 90 que del de los 80, como también del blues
de los 40 y mucha psicodelia, moldean un sonido caleidoscópico, denso y
original.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">En el caso de <i>...Like Clockwork</i>,
sexto disco de la banda, se presenta un paisaje bucólico. Es profunda
la noche en el desierto y están rodando cine de terror. Las diez
canciones que lo componen crean un clima que con el apoyo de los
arreglos en la edición de sonido (vidrios rotos, fuerte viento) parece
narrar una críptica <i>road-movie </i>sin jamás perder continuidad.
(De hecho, como promoción del disco, la banda lanzó en su web un
videoclip animado de 15 minutos de un medley con algunas canciones,
realizado por Boneface en los dibujos y Liam Brazier en la animación).
Volviendo a la música, como claro ejemplo está la intro de la canción
que abre el disco: "Keep Your Eyes Peeled", que cuenta con la
colaboración en las voces de Jake Shears, cantante del grupo electro-pop
Scissor Sisters. En el castillo de las Reinas de la Edad de Piedra,
Homme y Shears pueden encontrarse en una canción. Desde el comienzo, la
advertencia es clara: hay que tener los ojos bien abiertos.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Una de las más salientes características
del nuevo trabajo son las letras, el crudo manifiesto de Homme.
Directo, sin vueltas. Si una frase puede resumir qué tiene para decir
Homme en 2013, queda explícito en "Smooth Sailing": "I blow my load over
the status quo / I'm risking always, no second chance". Digamos que al
hombre le importa muy poco el <i>statu quo</i> (la actual escena del
rock, de la que forma parte su banda) y mucho arriesgar, mientras
conduce con comodidad esta canción con guitarra funky y la canta en
falsete.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">"The Vampyre of Time and Memory" destaca
la madurez de la banda. Una balada que desde sus arreglos, y en calidad
introspectiva entre voz, piano y guitarras, recuerda claramente a <i>The Wall</i>
de Pink Floyd. Junto a esta sorpresa experimental, es necesario
mencionar la séptima canción: "Fairweather Friends", con Homme en pleno
delirio lisérgico junto a Elton John de soporte, que marca el ritmo
desde el piano y los coros junto a los ex Queens Nick Oliveri y Mark
Lanegan.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">En "If I Had a Tail" se suma Alex
Turner, voz y guitarra de Arctic Monkeys, banda que en 2008 lanzara,
bajo la producción y tutela de Homme, su mejor disco hasta la fecha: <i>Humbug</i>
(uno de los imprescindibles de los últimos diez años, desvalorizado por
la crítica). La batería de Dave Grohl (ex Scream, Nirvana y actual
líder de Foo Fighters), que toca en seis de las diez canciones, marca el
ritmo inicial para el quejido lascivo de Homme: "Quiero chupar / Quiero
lamer / Quiero llorar / Quiero escupir". Todo bajo un ritmo funky con
la distorsión adecuada.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">En "Kalopsia", Trent Reznor (Nine Inch
Nails, How to Destroy Angels) se suma a la canción que con seguridad
plasma la mayor versatilidad de la nueva formación de la banda. Las
guitarras de Fertita y Van Leeuven, el bajo de Shuman y la presencia del
exbaterista Joey Castillo responden en la melodía inicial, para luego
detonar sin perder el ritmo. "My God is the Sun", con Grohl en batería y
Shuman marcando el tempo, es un hit rockero ineludible: el clásico
sonido garage de la banda, consolidado con la llegada de Grohl en la
época del <i>Songs for the deaf</i> (2002) y previamente desarrollado en <i>Rated R</i> (2000).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">El cierre es con la canción que da
nombre al disco: "...Like Clockwork". La película pronto se fundirá a
negro, mientras Homme recurre al piano y nuevamente a su voz en falsete
para el final. Mientras su canto se aleja y se despide con la frase
"Todo es cuesta abajo desde aquí", Queens of the Stone Age regala una
hermosa canción, perfecta para culminar el disco más honesto e
introspectivo de su carrera.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Canciones:</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">1. Keep Your Eyes Peeled<br />2. I Sat by the Ocean<br />3. The Vampyre of Time and Memory<br />4. If I Had a Tail<br />5. My God is the Sun<br />6. Kalopsia<br />7. Fairweather Friends<br />8. Smooth Sailing<br />9. I Appear Missing<br />10. ...Like Clockwork</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Miembros:<br />Josh Homme (guitarra, voz)<br />Troy Van Leeuwen (guitarra, teclados)<br />Dean Fertita (guitarra, teclados)<br />Michael Shuman (bajo)<br />Jon Theodore, Dave Grohl, Joey Castillo (batería)</span></span><br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/qotsabanda_zps416ae780.jpg" /></div>
<br />
<div style="padding: 10px 0px;">
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: x-small;">Grabado en Pink Duck
Studios (California). Producción: Josh Homme, Queens of the Stone Age,
James Lavelle. Duración: 45:59. Matador Records. 2013.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="320" src="http://www.youtube.com/embed/f49yRhJ0NjI?feature=player_embedded" width="510"></iframe>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-81721080672594568542013-05-21T15:27:00.000-03:002013-05-22T17:13:54.754-03:00El eterno Jay Gatsby<img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/gatsbyojos_zpsd5fdbce5.jpg" />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">“<i>El
gran Gatsby”: de Francis Scott Fitzgerald a Baz Luhrmann</i></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">Jay
Gatsby es un personaje</span><span style="color: red;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">popular</span></span></span><span style="color: red;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span><span style="font-weight: normal;">en
la cultura estadounidense. Representa un ícono del siglo XX situado
entre la Primera Guerra Mundial y la Gran Depresión. Es un arquetipo
del </span><i><span style="font-weight: normal;">self
made man</span></i><span style="font-weight: normal;">,
humilde en sus comienzos, perseguidor y finalmente dueño del sueño
americano; joven, galán y millonario. En apariencia, un ganador
nato. Todo lo que lo rodea supone ser magno: es el “gran” Gatsby.
Pero el mayor acierto de Francis Scott Fitzgerald en su novela es
dotar a su personaje de un grado de hermetismo y oscuridad tan
admirables como terroríficos. Lo que esconde es lo que finalmente
vale: la otra cara del culto a la personalidad. Gatsby es un ser
incorruptible.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">El
gran Gatsby</span></i><span style="font-weight: normal;">
retrata una gran fiesta y vislumbra la resaca posterior. “Botes que
reman contra la corriente, incesantemente arrastrados hacia el
pasado”, señala Fitzgerald. </span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">Retrata
una época: la efervescente década de los años 20 en Nueva York.
La “Jazz Age”, en la que buena parte de la clase pudiente, a
ritmo de foxtrot, vivía en un estado de decadencia y descontrol
fruto de la explosión financiera en Wall Street, mientras otros,
menos agraciados, a través del negocio del contrabando en la venta
de alcohol. El final llegó en 1929, con la debacle de la Gran
Depresión.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">En
1922, Jay Gatsby vive en una suntuosa mansión en la zona exclusiva
de West Egg (Long Island), en la que da grandes fiestas a las que
concurren curiosos de todas partes de la ciudad. Por otra parte, es
un enigma para cientos, especialmente para el joven Nick Carraway,
que habita en una humilde casa vecina </span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—en
comparación con el palacio de Gatsby— tras instalarse </span></span><span style="font-weight: normal;">en
la ciudad para hacer carrera en la Bolsa. Para Gatsby, el amor es un
sacrificio que todo lo puede, una pesada mochila en un largo viaje
solitario. La imagen de ese amor, de ese ideal, es Daisy: rica, hija
de la buena vida y de la indiferencia. Fitzgerald definió su
personalidad a la perfección con una simple frase: “¿Qué haremos
hoy? ¿Y mañana? ¿Y los próximos años?”. A la mansión de
Gatsby la separa una bahía de la de Daisy, que habita en el East Egg
junto a su esposo, Tom Buchanan. </span></span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">La
novela fue publicada en Estados Unidos en abril de 1925. Semanas
después, las noticias no eran positivas para el escritor del otro
lado del Atlántico, que vivía en Francia junto a su esposa Zelda.
El libro no se vendía bien y los críticos apenas si lo reseñaban.
Años después se hizo justicia y la novela </span></span><span style="color: black;"><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—junto
a las autobiográficas </span></span></span><span style="color: black;"><span lang="es-UY"><i><span style="font-weight: normal;">A
este lado del paraíso</span></i></span></span><span style="color: black;"><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">
(1920) y </span></span></span><span style="color: black;"><span lang="es-UY"><i><span style="font-weight: normal;">Suave
es la noche </span></i></span></span><span style="color: black;"><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">(1934),
y notables relatos como "Regreso a Babilonia" y "Basil
y Cleopatra"— </span></span></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">colocaría
a Fitzgerald entre los escritores norteamericanos más reconocidos
del siglo. La prosa de </span></span><span style="color: black;"><i><span style="font-weight: normal;">El
gran Gatsby</span></i></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">
llegó a obsesionar a Hunter Thompson, quien, por ejercicio, tipeó
en su máquina de escribir las palabras escogidas por Fitzgerald en
más de una ocasión.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">Con
el paso de los años, un sin<span style="font-size: small;">fí</span>n de expresiones artísticas
comenzaron a arropar a Gatsby: dos años después de la muerte de
Fitzgerald, la película </span><i><span style="font-weight: normal;">Casablanca</span></i><span style="font-weight: normal;">
(Michael Curtiz, 1942) destacó la interpretación de Humphrey Bogart
como Rick Blaine a semejanza de Gatsby, al rescatar su lacónico
temple, la nostalgia por un amor, los trajes en tonos claros y el
juego de sombras marcado por el humo de los cigarrillos dentro de un
garito nocturno. En </span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">el
nuevo siglo</span></span><span style="font-weight: normal;">,
la serie de televisión </span><i><span style="font-weight: normal;">Mad
Men</span></i><span style="font-weight: normal;">
(Matthew Weiner, 2007) lo evoca a través de la concepción de su
personaje principal, el publicista Don Draper. Una estampa externa
más refinada que la de Rick en </span><i><span style="font-weight: normal;">Casablanca</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">.
Tanto esta serie como la novela de Fitzgerald destacan una
extraordinaria recreación de época (los años 20 en Gatsby, los
60 en Mad Men) con un personaje solitario y conflictivo como centro.
Más allá de apariencias y corazas, Jay y Don, en sus diferentes
tiempos,</span></span><span style="font-weight: normal;">
atraviesan una crisis interior de identidad continua, forjada a base
de ausencias en la infancia y agravada por la experiencia presencial
en un conflicto bélico.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><b>Gatsby
2013 </b></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">Previo
a 2013,</span></span><i><span style="font-weight: normal;">
El gran Gatsby</span></i><span style="font-weight: normal;">
ha tenido tres adaptaciones al cine. La más célebre, aunque
asimismo la más apática y acartonada, fue la dirigida por Jack
Clayton en 1974, con Robert Redford y Mia Farrow como Gatsby y Daisy
respectivamente. La que sufrió mayor censura en el guión y en la
dirección fue la de Elliott Nugent, de 1949. La primera adaptación
fue una película muda, dirigida en 1926 por Herbert Brenon </span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><span style="font-weight: normal;">apenas
un año después de la publicación de la novela</span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><span style="font-weight: normal;">,
de la que en la actualidad solo queda un </span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><u><a href="http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Asajgm-ciWA" target="_blank"><span style="font-weight: normal;">trailer</span></a></u></span></span><span style="font-weight: normal;">
con algunas imágenes.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">Hasta
el momento, la novela de Fitzgerald no ha encontrado una película
que le haga justicia, incluyendo a esta moderna versión del director
australiano Baz Luhrmann. La idea sustancial es recurrente en el
cineasta: el anacronismo en adaptaciones modernas de obras y épocas
clásicas. Son los casos salientes de </span><i><span style="font-weight: normal;">Romeo
+ Julieta</span></i><span style="font-weight: normal;">
(1996) y de </span><i><span style="font-weight: normal;">Moulin
Rouge!</span></i><span style="font-weight: normal;">
(2001), dos films donde asimismo la música pop moderna predomina. En
el caso del segundo, ubicado en el París de 1900, la banda sonora
destaca a Madonna, Fatboy Slim y a Christina Aguilera. En </span><i><span style="font-weight: normal;">El
gran Gatsby</span></i><span style="font-weight: normal;">,
la idea se repite entre hip-hop y charleston. Jay-Z, Andre 3000,
Beyoncé, Fergie y Lana del Rey están presentes.</span></span></span><br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><b><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/gatsby001_zpsd38182d5.jpg" /></span></span></span></span></span></span></span></b></span></span> </span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">En
las películas de Luhrmann es evidente la importancia en el uso de
colores y lo vertiginoso de los planos en la narración </span></span><span style="color: black;"><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">con
influencias del videoclip musical</span></span></span><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">,
ya sean de las fiestas de la familia Capuleto, la Belle Époque
parisina o en este caso los años 20' en Nueva York. </span></span><span style="font-weight: normal;">En
el caso de </span><i><span style="font-weight: normal;">El
gran Gatsby</span></i><span style="font-weight: normal;">,
más allá que el recurso visual del 3D acelera el vértigo, Luhrmann
no solo se queda en retratar fiestas extravagantes con la cámara
viajando en el aire, reiterando planos cenitales de bailes bajo el
ritmo de canciones de hip-hop y excesiva pirotecnia. Por otra parte,
el director acierta, por momentos, en la segunda mitad del film, al
dejar de lado las fiestas y buscar el gran contraste de la obra:
retratar a Gatsby de espaldas en la noche y de perfil, rodeado por
los árboles de su jardín bajo la luz de la luna; en su muelle,
frente a la bahía y ante la niebla buscando con su mirada la luz de
la mansión de Daisy; y en nunca dejar de lado el símbolo de los
ojos pálidos del ruinoso cartel del oculista Eckleburg </span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><span style="font-weight: normal;">que
no son más que los ojos del pasado, o quizá de Dios</span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—
</span></span><span style="font-weight: normal;">a
un lado de la calle principal del Valle de las Cenizas, andurrial que
separa a West Egg de Manhattan y que será determinante en el destino
del grupo de estos jóvenes ricos. </span></span></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"><br /></span></span></span>
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"><img height="197" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/valleyashesgatsby_zps9c632606.jpg" width="400" /></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="color: black;"><span style="font-weight: normal;">Los
problemas son evidentes en el guión.</span></span><span style="font-weight: normal;">
Más allá que Luhrmann junto a Craig Pearce reproduzcan frases
claves de la novela en diversos pasajes, toman un atajo al comenzar
su película con una seguidilla de bacanales para luego decidir bajar
los decibeles y culminar con las palabras de Fitzgerald sobre la
bahía, agrupándolas como si fueran letras en una sopa. Por otra
parte, es un fiasco introducir la voz de Carraway en retrospectiva
desde una clínica por sus problemas de alcoholismo, a fines de 1929,
y que sea un médico quien lo alienta a escribir sobre su viejo
camarada. Uno de los más salientes méritos de la historia de
Fitzgerald, publicada en mitad de la década, fue su claridad en
vaticinar el fin de una era. </span></span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">La
fotografía, a cargo de </span><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><span style="color: black;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">Simon
Duggan</span></span></span></span></span></span><span style="font-weight: normal;">,
es refinada en los momentos de quietud: cuando la luna ilumina la
mansión y la playa privada de Gatsby en la profunda noche. Pero por
otro lado abusa en su artificio digital </span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><span style="font-weight: normal;">atado
a la ampulosidad del 3D</span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—
</span></span><span style="font-weight: normal;">sobre
los autos en movimiento, las fiestas en la mansión y, especialmente,
en los planos aéreos nocturnos de Times Square.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">La
actuación de Leonardo DiCaprio como Jay Gatsby es la más digna
realizada sobre el personaje hasta la fecha: el conflicto interno
transmite y es constante a lo largo del metraje, entre silencios y
miradas, mientras su pose, su piel bronceada y sus trajes hacen el
resto. Su interpretación recuerda la que realizara del excéntrico
millonario Howard Hughes en </span><i><span style="font-weight: normal;">El
Aviador</span></i><span style="font-weight: normal;">
(Martin Scorsese, 2004). Carey Mulligan, en el rol de la refinada e
insegura Daisy, logra despertar otro conflicto entre la constante
empatía y antipatía, propósito primario del personaje. En la
escena del Hotel Plaza, se destaca sobre el resto del elenco. Tobey
Maguire, como Nick Carraway, acompaña sin desentonar, resalta dotes
actorales en DiCaprio como Gatsby y cumple en el desarrollo de la
relación entre ambos jóvenes llegados del Medio Oeste a la gran
ciudad. Joel Edgerton, como el clasista y racista Tom Buchanan, se
pierde entre el linaje de su personaje y su temperamento. El
vestuario, por parte de Catherine Martin, es un elemento a destacar
en las actuaciones del elenco como en todas las películas de
Luhrmann.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><i><span style="font-weight: normal;">El
gran Gatsby</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">
de Fitzgerald</span></span><span style="font-weight: normal;">,
con cada nueva lectura, esconde más de lo que muestra. En cambio, la
película de Luhrmann se regodea en su abundancia </span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><span style="font-weight: normal;">en
reiteradas ocasiones hasta el despilfarro visual</span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">—</span></span><span style="font-weight: normal;">
y esconde muy poco. La historia de Gatsby es la historia de un
enigma. Una es un documento histórico de peso y una denuncia
categórica contra una clase pudiente</span><span lang="es-UY"><span style="font-weight: normal;">
</span></span><span style="font-weight: normal;">que
marcó una época y Fitzgerald conoció de primera mano; mientras la
otra siempre se muestra en las primeras filas de la fiesta pero se
retrae en el momento de la resaca posterior o en su retrato de la
clase trabajadora, a base de cenizas, aceite de motor y poco más. </span><i><span style="font-weight: normal;">El
gran Gatsby</span></i><span style="font-weight: normal;">
de Luhrmann es puro y simple entretenimiento que, hasta donde puede,
rinde tributo a una época que jamás le perteneció y en calidad de
intruso. </span></span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/gatsby22_zpsd85dcdbc.jpg" /></span></span></span></span></span></span></span></span></span> </span></span></span><br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;">
</span></span></span>
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><b><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">Dirección:
Baz Luhrmann. Guion:</span></span></span></span></span></b><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">
Baz Luhrmann y Craig Pearce (basado en la novela homónima de F.
Scott Fitzgerald). </span></span></span></span></span></span></span><b><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">Fotografía:</span></span></span></span></span></b><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">
Simon Duggan. Elenco: Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey
Mulligan, Joel Edgerton, Elizabeth Debicki, Isla Fisher, Jason
Clarke. </span></span></span></span></span></span></span><b><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">Música:</span></span></span></span></span></b><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">
Craig Armstrong. </span></span></span></span></span></span></span><b><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">Montaje:</span></span></span></span></span></b><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">
Jason Ballantine, Matt Villa y Jonathan Redmond. </span></span></span></span></span></span></span><b><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">Diseño
de producción:</span></span></span></span></span></b><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">
Catherine Martin. 143 minutos. 2013.</span></span></span></span></span></span></span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Trailer:</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span style="font-weight: normal;"> </span></span></span>
</div>
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/8tRiQEpOCdg?feature=player_detailpage" width="490"></iframe><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="color: navy;"><span lang="zxx"><span style="color: black;"><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="text-decoration: none;"><span style="font-weight: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;"><img height="185" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/gatsby33_warnerpictures_zpscf1efcdd.jpg" width="400" /></span></span></span></span></span></span></span></span> Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-13809302471388082532013-04-12T09:37:00.001-03:002013-04-12T15:18:05.126-03:00Cosmopolis, de David Cronenberg<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/cosmopolis2_prosperofilms_zpsfaa9bf8d.jpg" /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">La
película, basada en la novela homónima de Don DeLillo, narra un día
en la vida de Eric Packer: veinteañero yuppie multimillonario que
recorre de punta a punta Nueva York, a bordo de su limusina, por un
corte de pelo. Asimismo, el film es una feroz crítica de David
Cronenberg al sistema capitalista. Un viaje al centro del desastre.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Cronenberg
deja explícito el carácter expresionista y abstracto del film desde
los créditos iniciales: un lienzo que recuerda a Jackson Pollock y
su técnica del “dripping”. Luego presenta visualmente al
personaje de DeLillo: Eric está recostado sobre su limusina blanca,
listo para comenzar su viaje; viste un traje de primera clase y luce
unos caros lentes de sol. Joven, apático, intocable, rico y apuesto,
el personaje expone a uno de los tantos hijos favoritos del sistema
económico capitalista. Es un idiota, un gran discípulo zen, un
héroe posmoderno. Esta composición es llevada de forma notable por
el actor Robert Pattinson (<i>Crepúsculo</i><span style="font-style: normal;">,
2008;</span>
<i>Bel
Ami</i><span style="font-style: normal;">,
2012)</span>,
en su mejor papel hasta la fecha. Su elección, un gran acierto del
director.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/cosmopolis-limo_zps54877ac4.jpg" /> </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Una
vez dentro de la limusina, el espectador se interna en el mundo
lúgubre de Eric: sexo casual, un examen de próstata, negocios. Todo
dentro de la limusina-oficina, de la nave aislada a pocos metros de
lo que sucede en las calles durante el viaje: una violenta revuelta
popular contra un sistema que colapsa. Con su cámara dentro del
vehículo, Cronenberg expande los límites del mundo interior de su
héroe: el lento movimiento que contrasta con el descontrol del
exterior. </span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">En
1996 Cronenberg realizó <i>Crash</i><span style="font-style: normal;">,</span>
adaptación de la novela homónima<i>
</i><span style="font-style: normal;">de
J.G. Ballard,</span><i>
</i><span style="font-style: normal;">en
la que el deseo mutaba con desenfreno entre la carne, el sexo y la
mecánica de los autos; mientras en </span><i>Cosmopolis</i><span style="font-style: normal;">,
los mismos símbolos se introducen aislados de toda interconexión
posible. En sus esencias, ambos films comparten la condición de
simulacro. </span><span style="font-style: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">Por
otra parte, si en </span></span><a href="http://aquiescencias.blogspot.com/2012/06/un-metodo-peligroso-de-david-cronenberg.html" target="_blank"><i>Un método peligroso </i>(2011)</a><span style="font-style: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">,
película anterior del canadiense, se confrontaban dos arquetipos de
raciocinio, de hombres (el místico ante el racional, Jung ante
Freud), era en pos de un examen del discurso formal y científico
individual; mientras en esta nueva película ese mismo discurso se
encuentra en estado de descomposición ante un estado del </span></span><i><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">yo
</span></i><span style="font-style: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;">en
constante crisis de acumulación y evacuación inmediata, alineado
con la decadencia de un sistema financiero global.</span></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;"><span style="background: none repeat scroll 0% 0% transparent;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/cosmopolis1_ProsperoFilms_zps75386eb9.jpg" /> </span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Los
diálogos buscan la fidelidad a la profética novela de DeLillo,
publicada en 2003, pero adaptados por Cronenberg en tiempos del
colapso financiero de 2008, del posterior movimiento Occupy y del
final del primer gobierno de Barack Obama. Una de las mejores líneas
del guión va por cuenta de Eric, cuando pregunta el porqué de la
demora en el tránsito, que altera su viaje a la peluquería. “Es
que está el Presidente en la ciudad”, le responde su asistente.
“¿El Presidente de qué?”, expresa Eric. Todo un manifiesto de
la rebelde vanidad y atemporalidad del personaje, que junto a tantos
otros yuppies irresponsables por sus propios errores de especulación
e inexperiencia han saturado a un sistema que se cae a pedazos. Eric
comienza a perder sus millones y continúa en su indiferencia
general. </span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Pero
Eric va en dirección a su meta, donde lo abstracto del discurso
apocalíptico previo deviene en experiencia física. Un corte de
pelo, el regreso a un pasado que siempre estuvo ahí y el efecto del
último acto de Cronenberg: el encuentro del joven con su exempleado
Benno Levin (Paul Giamatti) en una casa destartalada, donde la
tortura y la falta de individualidad se imponen al
héroe como a<span style="font-size: small;"> </span>los absortos habitantes del cuarto círculo del
infierno profundo de Dante. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/cosmopolis1_zps63804a38.jpg" /></span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: x-small;">Dirección:
David Cronenberg. Guión: David Cronenberg (basado en la novela
“Cosmopolis”, de Don DeLillo). Fotografía: Peter Suschitzky.
Vestuario: Denise Cronenberg. Música: Howard Shore. Elenco: Robert
Pattinson, Juliette Binoche, Samantha Morton, Paul Giamatti, Sarah
Gadon, Mathieu Amalric. 108 minutos. 2012. </span></span>
<br />
<br /></div>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-70028540069411483532013-03-15T00:56:00.000-03:002013-03-15T00:56:00.385-03:00Hitchcock, de Sacha Gervasi<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/hitchcock_FoxSearchlightPictures_zpsd59fdc1c.jpg" /></span></span><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">El
mayor pecado que comete Sacha Gervasi en su biopic sobre el director
inglés Alfred Hitchcock, ubicada durante la pre-producción y el
rodaje de su película más taquillera, <i>Psicosis
</i><span style="font-style: normal;">(1960)</span>,
es simple: se queda con las anécdotas más comunes, acumula clichés,
y no logra un examen o aproximación siquiera al hombre más allá de
una inocente periferia. Para peor, en el intento de hacer humano a su
fantasma, presenta a su vez a otro: el del célebre asesino serial de
Wisconsin, Ed Gein, quien por sus macabros asesinatos fuera caso de
inspiración para el regreso del director a filmar en blanco y negro,
luego de la exitosa y en color <i>Intriga
internacional</i>
(1959). </span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Quizá
Gervasi no creyó necesario para su investigación, o al menos para
un certero acercamiento más allá del mito, recurrir a algunos
libros imprescindibles sobre la figura del británico: <i>El
cine según Hitchcock</i><span style="font-style: normal;">
(recopilación de</span><i>
</i><span style="font-style: normal;">entrevistas
y diálogos del director con </span><i><span style="font-style: normal;">François</span></i><span style="font-style: normal;">
Truffaut, de 1966)</span><i>
</i><span style="font-style: normal;">y</span><i>
El cine de Hitchcock</i><span style="font-style: normal;">,
del crítico Robin Wood (1965). Por solo nombrar dos</span><span lang="es-UY"><span style="font-style: normal;">
</span></span><span style="font-style: normal;">libros
esenciales para una digna aproximación al artista y al hombre.
Prefirió limitarse con un pobre guión de John McLaughlin basado en
el libro </span><i>Alfred
Hitchcock and the making of Psycho</i><span style="font-style: normal;">,
de Stephen Rebello. Pero Gervasi tiene un solo fin: decorar el mito.
Allí se cree seguro.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;">Dentro
de las torpezas que espero olvidar pronto, padecí el tratamiento que
Gervasi dio a “Hitch” en su condición de </span><i>voyeur</i><span style="font-style: normal;">:
cuando en un par de ocasiones husmea desde la ventana de su oficina,
Gervasi repite un guiño chicanero con su cámara a la película </span><i>La
ventana indiscreta</i><span style="font-style: normal;">
(1954); y los paseos del director por los estudios de la Paramount,
desviando su atención hacia cualquier rubia que se le cruza.
Asimismo, es para el olvido la pésima actuación de Scarlett
Johansson (en el rol de Janet Leigh) en la recreación de la célebre
escena del escape en auto de Marion Crane.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-style: normal; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">Hay
más errores groseros: con su cámara, y especialmente con el guión
de McLaughlin, Gervasi se confunde al dirigir a un gran actor como
Anthony Hopkins, quien parece estar forzado a representar a un ícono
por todos los atajos que se le plantean. Además, el maquillaje sobre
su rostro, por parte de Howard Berger, es atroz. </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/hitchcockreville_zpscd9e6ec6.jpg" /></span></span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-style: normal;">Pero
la pesadilla continúa. Otra capa de la cebolla: el rodaje de
</span><i>Psicosis</i><span style="font-style: normal;">.
Aquí una ironía, dentro del aura de “Hitchcock para
principiantes” que plantea Gervasi al espectador: la escena en la
que se describe, con pobre economía, el montaje final en el que fue
clave su esposa, Alma Reville, sumado a una burda y fugaz caricatura
del compositor Bernard Herrmann. Uno de los montajes más notables de
una película de suspenso y terror se enfrenta con el de una película
para el olvido, que confunde comedia y drama, y dentro del error
general se atreve a agregar chispazos de suspenso. Gervasi intenta
manejar un argumento y un esbozo de la figura de Hitchcock bajo el
reto de exponer una película dentro de otra, sin obtener finalmente
ninguna.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;"><i>Hitchcock</i><span style="font-style: normal;">
es lo más cercano a un museo de cera berreta en el que lo único
para destacar es, por momentos, la actuación de Helen Mirren como
Alma Reville, compañera de vida del director, junto con puntuales
conflictos de un autor por un lado consagrado por Hollywood, y por
otro no reconocido como artista por esta industria durante aquellos
años, que hasta se dio el extraño lujo de rodearlo con sus chacales
de turno, siempre ávidos de oportunismo.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">El resto que descanse en paz.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: inherit;">
</span></span>
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;">Dirección:
Sacha Gervasi. Guión: John McLaughlin. Fotografía: Jeff Cronenweth.
Música. Danny Elfman. Elenco: Anthony Hopkins, Helen Mirren,
Scarlett Johansson, Toni Colette, Jessica Biel. 98 minutos. 2012.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;"></span></span><br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/hitchcockgervasi1_zps346495c7.jpg" /></span></span></div>
<br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;">Tráiler: </span></span><br />
<br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="340" src="http://www.youtube.com/embed/5OVKVWu_d7E?feature=player_embedded" width="520"></iframe>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-52406488100764930222013-03-11T15:53:00.000-03:002013-03-11T15:54:16.467-03:00Amour, de Michael Haneke<div style="text-align: justify;">
<i><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/amourpaloma_zpsa6a92001.jpg" /></i><br />
<i> </i><br />
<i>Amour</i>, más allá de apreciarla por su calidad como película, bien puede ser vista como una maqueta perfecta, a la manera de las planificaciones constructivas del naturalista Émile Zola previas a las ejecuciones de sus clásicas novelas. Su arquitectura, su celoso diseño, expone dos personajes centrales (Anne y Georges) y uno en constante expansión: el apartamento, que representa movimiento y no quietud. Se pueden enumerar con los dedos de una mano las escenas fuera del apartamento: un recital en el teatro, un viaje en ómnibus, una pesadilla. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Michael Haneke vuelve a lograr una película con un lúcido tratamiento de interiores, dando protagonismo, entre luces y sombras, a cada rincón del lugar hasta con el recurso de planos fijos sin Anne y Georges: la ausencia ante la inevitable presencia, el paso del tiempo impertérrito ante los ojos del espectador. Aquí la mayor herencia de Robert Bresson en el cine del director austríaco, con el ejemplo de <i>Amour</i>: "Crear no es deformar o inventar personas o cosas. Es establecer relaciones entre nuevas personas y cosas que existen y tal como existen (Robert Bresson, <i>Notas sobre el cinematógrafo</i>, 1975)". Este es el tiempo establecido por Haneke. Desde esta alineación del artificio cinematográfico se aprecia su oficio y ojo crítico, especialmente apreciable en sus películas mejor logradas y con mayores lecturas artístico-políticas: <i>El tiempo del lobo</i> (2003), <i>Caché</i> (2005) y <i>La cinta blanca</i> (2009). Lecturas de rigor de la implosión de un apocalipsis, de los retazos del conflicto Francia-Argelia bajo la influencia de Alfred Hitchcock en la narración, y del escenario previo a la llegada de la Primera Guerra Mundial y del ulterior nazismo en un pueblo de Alemania. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<img height="270" src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/amour2_zpsddb5e03b.jpg" width="520" /> </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La historia de <i>Amour</i> es simple, tierna, devastadora y real. La anciana Anne (Emmanuelle Riva) sufre una obstrucción en la carótida que le deja paralizada su parte derecha del cuerpo. A su lado, siempre firme, su esposo Georges (Jean-Louis Trintignant): la baña, le cambia los pañales, la viste y alimenta. El director plantea el conflicto sin necesidad de recurrir a flashbacks de la vida de la pareja en busca de un pasado más alentador, de una juventud compartida que contraste con la situación actual -de hecho, los personajes jóvenes de la película son tercos, grises y apáticos, mientras el color y la ternura surgen de la pareja de veteranos-, sino que apuesta a su economía en exponer climas, como el caso de una escena en la que Anne interrumpe su almuerzo para mirar un viejo álbum de fotos y adjetivar lo que cree como vida. Esta escena asimismo confirma que las categóricas actuaciones de los experimentados Trintignant y Riva son fundamentales para el acierto de Haneke con su cámara al lograr, a través de sus miradas, enlazarlos entre sí y con los objetos que los rodean (nuevamente Bresson). </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hay dos escenas relevantes en la película, ambas con la presencia de uno de los intrusos en el apartamento, centro de la historia de amor entre Anne y Georges: una paloma. Su importancia es claramente diferenciada por el metraje; pero en la segunda escena el símbolo logra la imagen más poderosa del film más allá de cualquiera que exponga el pesar de la enfermedad de Anne, al representar ese amor por el que Haneke, en su humanidad y no solo como cineasta, apuesta. Un amor que dentro de sus límites, ya sean altas paredes, pesadumbre física o enfermedad, siempre buscará su vuelo y amparo. Un amor fiel y anticipador, como todo aquel que se aferra a la vida con uñas y dientes ante la proximidad de la muerte invasora.<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;">Dirección
y guión: Michael Haneke. Fotografía: Darius Khondji. Montaje:
Nadine Muse y Monika Willi. Elenco: Jean-Louis Trintignant,
Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, Alexandre Tharaud. 127 minutos.
2012.</span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Tráiler: </span><br />
<br /></div>
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/TbN2kSOqEKM?feature=player_embedded" width="540"></iframe>
Durochttp://www.blogger.com/profile/15249679315871192223noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8430023069471603872.post-16236291559824308082013-02-20T12:25:00.003-02:002013-02-20T12:25:53.571-02:00The Master, de Paul Thomas Anderson<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/themaster4_TWC_zps0fa47afb.jpg" /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Paul
Thomas Anderson es uno de los directores más versátiles e intensos
de la actualidad. En 1996 debutó con </span><span style="font-size: small;"><i>Sydney</i>,
pero desde <i>Boogie
Nights </i>(1997)
y <i>Magnolia</i>
(1999) la impronta de su autoría reveló claramente una cinefilia y
talento en la creación narrativa-audiovisual que reúne, sin jamás
perder su sello propio, lo mejor del cine americano: entre la
presencia del montaje invisible de Griffith (<i>Lirios
rotos</i>,
1919) y la sintaxis cinematográfica de Kubrick en <i>Barry
Lyndon</i>
(1975). <i>Petróleo
Sangriento </i>(2007),
su película anterior y una de las imprescindibles del nuevo siglo,
resume este concepto a la perfección con un perenne y urgente
retrato de la historia de Estados Unidos y del capitalismo situado a
comienzos del siglo XX, que rinde tributo a <i>El
Ciudadano </i>(Orson
Welles, 1941) y consagra a Anderson como un cineasta moderno. Hay que
volver a ver una y otra vez sus películas: un realizador que
reafirma el por momentos olvidado cine de autor<i>
</i>en
Estados Unidos, alejado de los parámetros actuales que proyecta la
industria de Hollywood, y que se defiende simplemente con manifestar
su arte.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><i>The
Master</i>
es su sexta película. Continuando con su voluntad de retratar la
historia de su país en el siglo XX <span lang="es-UY">—</span>como
el ascenso de la industria pornográfica en California en la década
de los años setenta (<i>Boogie
Nights</i>)
y el arrebato del capitalismo fruto de la explotación de los pozos
petrolíferos en California en las primeras décadas del siglo XX en
<i>Petróleo
Sangriento</i><i><span lang="es-UY"><span style="font-style: normal;">—</span></span></i><i><span lang="es-UY">
</span></i>en
este caso Anderson se detiene en los años posteriores a la Segunda
Guerra Mundial, llevando a examen las consecuencias y tormentos que
el conflicto provocó en la mente humana, mientras por otro lado
abarca la creación de una secta y la figura de su líder. (Se ha
indicado que esta es una película sobre los comienzos de la
Cienciología, aunque tal afirmación simplifica el efecto final que
busca el director).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Pero
Anderson no solo es un exquisito paisajista de épocas con su cámara
y escritura. Crea personajes inolvidables, víctimas de una
estructura en desarrollo que los engulle, y una vez dentro los deja
aislados. Así son Dirk Diggler y Daniel Plainview (protagonistas de
</span><span style="font-size: small;"><i>Boogie
Nights</i>
y <i>Petróleo
Sangriento </i>respectivamente).
En su nuevo film, esto ocurre con dos personajes, Freddie Quell
(Joaquin Phoenix) y Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman): el
primero, aislado durante todo el relato con un duro pasado en la
marina durante la guerra y abrumado por el alcoholismo y su obsesión
por el sexo; el segundo, líder de "La Causa", una secta
basada en técnicas terapéuticas y de hipnosis. La secta, en
formación, los apresa a ambos: a Dodd le limita su rasgo de ídolo,
entre su megalomanía y las limitaciones de su propio discurso, entre
místico y científico <span lang="es-UY">—</span>sobre
este punto hay referencias a lo consciente y lo inconsciente, según
Carl Jung<span lang="es-UY">—</span>,
mientras Freddie transita un conflicto entre su pasado y su presente.
La secta es la representación del futuro para ambos.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/themaster3_zps7b1c41e0.jpg" /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Lo
que los une es un vínculo afectivo, y especialmente al experimentado
y extrovertido Dodd la presencia de Freddie lo desafía y conmueve.
No es un discípulo del montón. Y aquí otro detalle de la película:
a través del guión, es ambiguo quién es realmente el Maestro. Es
lo que expone Anderson, sin excesos retóricos sino con diálogos
ingeniosos y cínicos que cuestionan el humanismo y el avance de la
ciencia desde siglos atrás ante la corriente filosófica del
existencialismo de mitad del siglo XX. El escepticismo de Anderson es
puramente crítico.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">El
dueto entre Phoenix y Hoffman es un sostén para que el film no
fracase entre tanto diálogo, la introducción de una secta y los
conflictos individuales. Ambos actores se lucen y se acoplan en las
escenas que comparten, sin opacarse el uno al otro y manejando los
tiempos dentro de la narración, aunque la interpretación de Phoenix
por sí sola se destaca por íntima y salvaje, y recuerda a los
clásicos James Cagney y Paul Muni.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">Anderson
vuelve a demostrar su calidad con la cámara: la escena inicial de
Freddie con su delirio a cuestas en la playa, construyendo figuras
femeninas con arena, aislado del grupo de marineros, logra su impacto
con la repetición de planos cenitales. Por otro lado, enfatiza el
conflicto entre Freddie y Lodd a través del encuadre y el uso del
plano en profundidad, acertado en escenas exteriores e interiores con
la apuesta de filmar en fotogramas de 70 milímetros, que al superar
los 35 mm resalta nitidez en la imagen </span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">—</span></span><span style="font-size: small;">lo
que parece ser toda una declaración del cineasta hacia el recurso
actual del 3D</span><span style="font-size: small;"><span lang="es-UY">—</span></span><span style="font-size: small;">.
La fotografía de Mihai Malaimare Jr. junto con el vestuario de Mark
Bridges estilizan la recreación de época mediante el uso y
contraste de colores cálidos y fríos.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;">En
</span><span style="font-size: small;"><i>The
Master</i>,
Anderson continúa lo que comenzó con el mosaico de historias
mínimas en <i>Magnolia</i>:
el constante estudio de alienación y conflicto orgánico del
individuo ante un orden. Causa y efecto. Es evidente el vínculo
entre la furiosa introspección de Freddie Quell con la de Daniel
Plainview, personaje de su film anterior que a menos de seis años de
su estreno va camino a convertirse en un clásico del cine. <i>The
Master</i>
es una película oscura y personal: su denuncia la coloca como un
capítulo ineludible de la historia de Estados Unidos, a través de
la revisión crítica y poética de Paul Thomas Anderson.</span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><img src="http://i967.photobucket.com/albums/ae156/aquiescencias/themaster1_zps8a451e22.jpg" /> </span></span><br />
<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;">Dirección
y Guión: Paul Thomas Anderson. Fotografía: Mihai Malaimare Jr.
Vestuario: Mark Bridges. Montaje: Leslie Jones y Peter McNulty.
Música: Jonny Greenwood. Elenco: Joaquin Phoenix, Philip Seymour
Hoffman, Amy Adams, Laura Dern, Jesse Plemons, Rami Malek, Ambyr
Childers. Duración: 137 minutos. 2012.</span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;">Trailer<span style="font-size: x-small;">: </span></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: x-small;"> </span> </span></span></div>
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/4Ox2-0A1OIQ?feature=player_embedded" width="540"></iframe>
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